1. 简笔画衣服
素描 半身像 怎么画衣服
素描半身像的衣服可以用速写的方法画出来就行了。
既简单又大方，，又能和头有疏密的对比，，，和速写一样画出大概的转折和衣服的褶皱就行了。
千万别画的太多，，要想画的跟细致些，，最多只能把衣服的明暗分下就行，在衣服的暗面用手指随着衣服的起伏感擦下就行了。你要是画多反而会越画越画不好，只要一个大感觉出来就行了。
。 千万要记住，，衣服是在画速写，，不是画素描，，要不然就会画混了。
。依靠着画速写的感觉画衣服，就会发现很简单的就画好了，，至于详细的就是速写了，，速写应该会画吧。
素描衣服的质感怎么画
褶皱有很多画法 具体要看穿着的方法 材料的质地 线稿和色膏也有很多区别 差别很大 尤其是皮质 波峰有高光 波谷也有高光 所以 想画好还是需要知道原理和多多练习 就是说 有些褶皱为什么会出现 它们的集结点在哪里 或者聚集的方向在哪里 什么质地需要粗褶皱 什么质地褶皱细 当然 一般情况下 越薄的衣物 褶皱越多约细密 越厚的反之 特殊的材质就要就事论事 毛衣更蓬松 皮质更顺滑 有得衣物缝合缝多 更要考虑缝隙给褶皱带来的变化 再加上有些材质会在原来的材质上附着其他的材质 比如说制服 布料上会有金属logo logo坚硬会改变侍没褶皱 有重量会制造褶皱 这都是在学习褶皱时会遇到并要攻克的问题 我给你发一些图的示例 都是网上找的 我没有版权 但可以做参考 你也可以在网上找更专业的图片 或者实例 平时在生活中多观察 也要提高绘画技巧 上色技巧 排线技巧 使笔下的褶皱更真实 更能表现材质的不同 其他的也没什么了 绘画 无非是多练 我没有版权 仅仅是参考。
怎样用素描来表现衣服的不同衣料质感？
由一料的质地不同，影响衣纹的形状如丝绸类的质地较薄的衣服，衣纹多而密，线型也较柔圆。
麻布等硬质类衣纹多用折线、直线，线型方而短，呢绒及化纤织物，衣纹少而挺。我国传统绘画对衣着的造型，也有很高见解，并总结出一套不同于西画的完整的表现样式和体系，沈宗骞在《芥子图学画编·人物谈话》中说：“周围骨骼要从衣外看出，何处是肩，保处是肘……，凡此皆骨骼之隐于衣中，而于作纹时随笔写出。”
“先将裸体骨骼约定，后施衣服。”其中道出衣服结构与人体结构之间的关系。
以老耐纳线为主画衣纹，须更加重视衣纹的提练，概括和取舍。写生时要充分发挥线条的疏密，长短，虚实节奏等效果，有时并带有一定的装饰性。
这一点在中西绘画中有异曲同工的一致性。 ）线描对衣纹的处理。
在前面的以线造型的技法中已谈了一些，现在针对速写的特征的阐述二种概括线条的方法。 a.套线法 类似中国古典绘画中描绘衣纺廛的线条的压叠套合关系，一般线条一端在形体轮廓内，一端在形体的轮廓外。
b.游鱼法 首先尽量用长线条描绘出物象外轮廓线的起伏和形状特点，然后画衣纹，线条的两端在轮廓形的内部，不可接触外轮廓线，否则 会短路，将完整的大形切成琐碎的块状，这是速写造型中应注意的问题。 c.两种方法结合使用 这在速写中亦是较为常见的，线面结合成的直线亦可穿插运用，要有虚实、疏密之感。
在衣服上素描
你可以使用定画液来喷，在文具店可以买到，又或者网购，具体用法是画好以后在表面喷= =如果没有的话你也可以用水来喷一喷。
网上教用头发的定型液（着哩水），我也用过，效果还可以。其实我比较推荐用大头笔来画衣服，我上次就用大头笔画衣服参加比赛。
具体是先用铅笔在衣服上勾勒出你需要的图案，然后你可以去买麦克笔，也叫签字笔，油性笔，大头笔，都是它，就是那种一头粗一头细的那一种。我估计你想只保留铅笔画质的话可能是怕其他的笔粗画不出或者油性的笔水会泛开等。
如果是这两种的话，大头笔可以解决，通常的大头笔是一头粗一头细，一般人可能认为画细线条的话应该用细的那头，其实不是，你打开粗的那头，其实这一端的笔头是尖的，用最尖的那一部分可以画很细都行。如果怕笔水泛开，可以买品质好的笔，绝对不会泛笔水，我通常用的是真彩的大头笔，非常好用。
水彩画怎么画服装效果图？
水彩画之所以受到服装设亩腊计师得青睐.是因为它与众不同得特征。
如它有着不可替代得透明性.而且表现快速，色彩易干.色彩层次丰富，表现领域广得特点.还可与水彩，钢笔，铅笔，麦克等等联合应用.使效果图更具丰富多彩得表现魅力。 服装设计效果图采用水彩颜料.不同纹理吸水快慢得纸张得及其它工具.对体现各类面料质感都会有非常好得效果。
美国著名得服装画大师哈兰.科拉柯维奇得一幅男装设计图。在表现男装得粗麻面料时.就采用了粗纹理水彩纸张。
先将纸用大底纹笔刷湿.使纸湿透.然后尽快地将第一遍色铺上去.待色彩干后.用水将画上得色彩冲洗一遍.洗去浮色.然后再正式将所需得服装色彩画上去。由于水彩色彩具有必定得透明度.所以原第一遍上色冲洗后具有粗纹理得纸还保存在画面上.这样所表现得粗呢面料质感得服装很好体现出来了。
又如法国服装画家安东尼.鲁匹兹得一幅作品.是一位正在舞蹈得女郎.穿了一套用纱做得褶裙.为了充分表现面料得飘逸，膨松，透明及流动得感到.画家采用了吸水较慢且纸张纹理较细得水彩纸。可先用清水将纸刷湿.待水在纸上充分渗透后.便可开端上色.这样纱得质感就能体现出来。
如要体现一些带有小花纹得薄纱衣服.可采用在未干得色彩上用喷雾器喷一下水或者先用油画棒画出花得纹后再上水彩色得方法。再如台湾服装画家萧本龙.在画绸缎及皮革面料得服装时.就特别注意不同材料质感得表现。
他认为如果表现不好.皮革绸缎面料就变成了一般面料。因此在绘画进技法运用尤为重要。
在画深色皮革面料时.可采用吸水少得卡纸和光面纸.绘画上采用一种色彩得明度对照.一般来说表现这类面料时明度对照较大.而深浅之间得水份控制尺寸要适度.从而在过渡中自然地融合起来.一幅表现绸缎，皮革得服装就体现出来了。 一幅好得服装设计效果图采用水彩画与油画，版画等方法来表现都各有特别效果。
由于水彩画充分运用水份，水色相互融合.虚实省略得当.节奏容易控制.而且应用不同得纸张.色彩和不同牌名得色彩.会产生意想不到得效果和趣味。
简笔画衣服有哪些颜色
用铅笔在白纸上，画出挑选衣服的小男孩的草图，接着用黑色彩色笔绘画出小男孩的头和头发的部分，并画出眼睛和嘴巴。
接着，用黑色的彩色笔画出小男孩的身体和手臂、腿脚的部分，注意手臂是举起来姿势要画出来，表示挑选衣服。
然后，用绿色彩色画出小男孩没有挑选中的衬衣。
接着，用蓝色彩色画出小男孩没有挑选中的短裤。
然后，用紫色彩色画出小男孩没有挑选中的长袜子。
最后，用绿色彩色笔给小男孩的衣服涂上颜色，并用蓝色彩色笔给小男孩的裤子涂上颜色。这样挑选衣服的小男孩彩色简笔画就画好了。
2. 在裤子上涂鸦用哪种颜料啊而且要不容易掉色的那种
丙烯.一种美术专用颜料,现在市面上很多手绘的服装鞋子都是用丙烯涂鸦在上面的,洗了之后不会像一般颜料那样褪色或模糊 你可以到美术学院附近的美术用品店里问问
3. 现代洛可可艺术画家都有谁他们的生平简介怎样
简介
洛可可风格起源于18世纪的法国，最初是为了反对宫廷的繁文缛节艺术而兴起的。洛可可Rococo这个字是从法文Rocaille和意大利文Barocco 合并而来。Rocaille 是一种混合贝壳与小石子制成的室内装饰物，而Barocco 即巴洛克（Baroque）。洛可可后来被新古典主义取代。
编辑本段洛可可艺术
洛可可建筑
洛可可世俗建筑艺术的特征是轻结构的花园式府邸，它日益排挤了巴罗克那种雄伟的宫殿建筑。在这里，个人可以不受自吹自擂的宫廷社会打扰，自由发展。例如，逍遥宫或观景楼这样的名称都表明了这些府邸的私人特点。尤金王子的花园宫就是一个节奏活泼的整体，由七幢对称排列的楼阁式建筑构成，其折叠式复斜屋顶从中间优美匀称地传至四个角楼的穹顶处（图202）。上面有山墙的单层正厅具有几乎是中产阶级的舒适，两个宽展的双层侧翼则显示出主人的华贵，却又没有王公贵族的骄矜。两个宽度适中的单层建筑介于塔式的楼阁之间，而楼阁的雄伟使整个建筑具有坚固城堡的特点——总之，极为不同的建筑思想，却又统一在一种优雅的内在联系中。正是这种形式与风格简直相互矛盾的建筑群体漫不经心的配置，清楚地体现出了洛可可艺术的精神。 维尔茨堡大主教府的楼梯厅为巴罗克晚期建筑的优雅留下了一个好印象。诺伊曼在这里大手大脚地浪费空间，设计了两个互相对称的楼梯厅，但只有其中一个建成。然而，仅只这一个就足以赋予这宏伟的内部空间一种壮观的气氛了颤正，并且，这种气氛又由此传给了前厅、花园厅和朝觐厅等一系列建筑（图207）。威尼斯人堤埃坡罗在楼梯厅和朝觐厅画的天顶画，把建筑艺术的魅力发挥到了无可比拟的程度。天花板被600平方米的巨大天顶画化解为五颜六色的光，它们就像是从敞开的天空射进室内来的。茄闹悔这天空充满了光怪陆离的形象，它们巧妙地掩盖了建筑与绘画的界限（例如，狗就像是站在凸出的横线饰上）。石膏花饰也挤入了画中，而画中的人物则利用他们手上的雕塑物品占有建筑空间。凭借着这种幻觉手法，实现了绘画、雕塑和建筑艺术的完全统一。
编辑本段艺术概念
意义与背景
洛可可艺术(Rococo art)是法国十八世纪的艺术样式，发端于路易十四（1643～1715）时代晚期，流行于路易十五（1715～1774）时代，风格纤巧、精美、浮华、繁琐，又称「路易十五式」。 洛可可艺术风格是继巴洛克艺术风格之后，发源于法国并很快遍及欧洲的一种艺术样式。开始是指用贝壳、石块等建造的岩状砌石，源于中国的假山，玲珑剔透，华丽雕琢的艺术趣味，后指具有贝壳纹样曲线的主题，成为以室内装饰为主体的样式名称。洛可可特点是室内装饰和家具造型上凸起的贝壳纹样曲线和莨苕叶呈锯齿状的叶子， C形、S形和涡旋状曲线纹饰蜿蜒反复。创造出一种非对称的、富有动感的、自由奔放而又纤细、轻巧、华丽繁复的装饰样式。巴洛克那洋溢的生气、庄重的量感和男性的尊大感，都被洗练的举止和风流的游戏般的情调，以及艳丽而纤弱柔和的女性风格所取代。如果说17世纪的巴洛克风服饰是以男性为中心、以路易十四的宫廷为舞台展开的奇特装束，与此相对，18世纪的洛可可风服饰则是以女性为中心，以沙龙为舞台展开的优雅样式。 十八世纪被看成是「理性的时代」或「启蒙运动」的时代，哲学家从过去假设上帝存在进而推论所有事物的工作，转换为依据实验和观察的理性方法去推论世间的万象，几乎将神学从哲学中剔除弯和，选择倾向世俗的路线，趣味从注重高尚的教化转向寻求轻浮的快感。艺术的风格，在音乐家莫札特、海顿，文学家蒲伯、爱迪生、伏尔泰，画家华铎、康斯博罗中，贯穿著一种共同主题，它把理性与优美趣味同轻松、明晰、秩序井然的材料相互配合起来。 路易十四常在凡尔赛宫开各种舞会，藉著繁琐的礼仪与无意义的职务折腾贵族们，再以富丽堂皇的宫廷装饰营造悠闲的环境，有利搞风流韵事，以便消耗贵族们的精力，使他们无暇去策划造反。因此艺术家授命编造一种理想生活的极乐世界情景，其唯一的目的是塑造出一个悠闲的、实际上是懒惰的社会快乐。 洛可可是相对于路易十四时代那种盛大、庄严的古典主义艺术的，这种变化和法国贵族阶层的衰落，与启蒙运动的自由探索精神（几乎取代宗教信仰），及中产阶级的日渐兴盛有关。 洛可可在形成过程中还受到中国艺术的影响，特别是在庭园设计室内设计、丝织品、瓷器、漆器等方面（如《中国人物小陶瓷》，麦尔，德国，1768）。由于当时法国艺术取得欧洲的中心地位，所以洛可可艺术的影响也遍及欧洲各国。 洛可可艺术的繁琐风格和中国清代艺术相类似，是中西封建历史即将结束的共同征兆。
词源与含义
从词源来看，rococo 一词与法语rocaille（岩状饰物）相关。早在17世纪，法语rocaille 一词常用以称谓岩洞，（也有一说即文艺复兴时代传到意大利的中国假山设计），和庭园中的贝壳细工，travail de rocaille (岩状工艺）为 travail 的同意语。洛可可即由「岩状工艺」和「贝壳工艺」引伸而来，指室内装饰、建筑到绘画、雕刻以至家具、陶瓷、染织、服装等各方面的一种流行艺术风格。 洛可可的另一种解释初见于《法兰西大学院词典》，指为「路易十四至路易十五早期奇异的装饰、风格和设计」。有人将「洛可可」与意大利「巴洛克」相关连，把这种「奇异的」洛可可风格看作是巴洛克风格的晚期，即巴洛克的瓦解和颓废阶段。
洛可可艺术的特质
①曲线趣味，常用C形、S形、漩涡形等曲线为造形的装饰效果。 ②构图非对称法则，而是带有轻快、优雅的运动感。 ③色泽柔和、艳丽、轻快，给人轻松舒适感。 ④崇尚经过人工修饰的“自然”。 ⑤人物意匠上的谐谑性、飘逸性，表现各种不同的爱，如浪漫的爱、性爱、母爱等。
编辑本段文学
洛可可文学以轻松的文体大量出现，并着力于表现人的情感，尤其是爱情的魅力。经常将现实世界扩大或缩小后加以描写，或者以镜中像的方式折射现实。比如伏尔泰的《小大人》、勒萨日的《吉尔·布拉斯》。这个时期的作家还酷爱写游记式作品，让主人公在游历中学习人生、了解世界。 洛可可文学产生了强烈刺激人们感官和心智的效果，刻意描写与现实相悖的事物，以反讽手法引入革新观念，打破现存秩序和规范，追求自然、理性、平衡的新世界。
编辑本段雕塑
从维尔茨堡的实例可以清楚看出，在巴罗克晚期要明确地区分建筑和雕塑是颇不容易的，因为雕塑起装饰作用，是统一在建筑艺术品的整体范围之内的。有时，它也会反过来起到赋予建筑物审美意义的作用，就像韦尔顿堡修道院教堂那样（图208）。在这里，建筑方案是让圣乔治祭坛处于“适宜的光线之中”。出于这个理由，建筑师科斯米斯·达米安·阿萨姆只让教徒大厅有较暗的光线，而且用一个巨大的上部建筑遮住祭坛，从而使教徒处于神秘的幽暗之中。但是，他在祭坛后面的厅里开了 洛可可艺术建筑
个很大的窗户，让耀眼夺目的光线从窗户涌进来，直达中堂。而他的兄弟埃吉德·奎林·阿萨姆则在这个熠熠闪耀的光源中心安放了圣乔治的骑马立像，从后面间接给塑像以效果显著的光线。这位圣徒在祭坛的台子上就像一个超凡的幻像，周围是神圣的光辉，给处于黑暗中的尘世以救助和光明。一个宗教事件在这里变成了热闹的戏剧表演，恰与当时的剧院相类似，因为剧院也在演出叙述超凡故事的戏剧。 巴罗克晚期雕塑艺术的戏剧特点还可以用当时采用的材料来证明。因为一切都是针对感性效果和令人眼花缭乱的第一印象的，所以不是选用砂岩或大理石，而是采用质地较差的材料，如大理石膏（把碾细的彩色砂岩与石膏混合，再浇制并磨光），或者木头，然后再给木头涂上一层模拟石头的颜色。这种塑像不能仔细观赏，也就是说要起一定的蒙蔽作用，就好像舞台上的布景那样。
编辑本段绘画
综述
无拘无束地尽情戏耍的乐趣，摆脱一切思索而获得感官快乐的乐趣，在这个时期的绘画中得到了或许是最完美的表现，因为它不需要理性的协助就能直接使眼睛感到满意和愉悦。由于有了洛可可潇洒风雅的绘画，早在“为艺术而艺术”这一概念形成很久之前，我们就见到了一种需要由其自身而不是由其内容来评价的艺术。 这种轻松愉快在华托的新画种中表现得最为完美，因而使他获得了学院特意为他创造的“风流庆典大师”的头衔。他的作品主要有《发舟西苔岛》，西苔岛是一个崇拜爱情女神阿佛洛狄忒的希腊岛屿。它就像游园会上的一场超脱尘世的表演，正如当时在贵族府邸里流行的那样。在爱情岛那闪耀着希望之光的远景前面，恋人们的队列在一种饱和的温暖色彩当中移动，使人与自然超出朦胧的轮廓相聚，踏上一只周围有小爱神盘旋的、扬着玫瑰红色船帆的金色小船里。男士们殷勤风雅，女士们身着丝绸衣裙，仪态万方，还有那种求爱、矜持和顺从的表情之妩媚，这一切都赋予周围景致以远离尘嚣的宁静和诗意的气氛，从而体验到人的最温柔的情感。这是一个外表优雅的世界，与宫廷的现实毫无关系，艺术家并不想向观赏者隐讳这点。因为正如他的画面上的演员都是那个时代的社会的理想人物一样，景色也是一块只能梦想出来的乐土，正像在温馨、明亮的色调中自然形态失去了其真实性，而化为纯绘画的结构那样。 半个世纪以后，就像华托所了解的那样，在弗拉戈纳尔那里，这永远也唱不完的爱情诗演变成了一场浅显的爱情游戏。秋千上的那位女士——据说是一位富有的男爵的恋人——代表了18世纪的妇女普遍喜爱扮演的一个角色：在与她的多情恋人演出的二重唱中，饰演娇小玲珑、卖弄风情 洛可可艺术
的牧羊女。一幅奇妙的公园景色，在浅淡的色调中像布景似的不真实，是这首田园小诗发生的地点，散发出一种天真烂漫的气息，可是又不无刺激。女士是那种既天真又成熟的类型，正是洛可可风格崇尚的类型，善于以巧妙的天真来实现自己的目的。在这儿，秋千能使她不受直接的纠缠，这种感觉鼓励她极尽卖弄风情之能事。她毫不在意地让她的宽大裙衫飘舞，让恋人见到迷人的情景。依然不大明确的是：那只兴高采烈地高高荡起的鞋到底是对着谁的呢？是那位男士还是那位被牵扯进来的小爱神塑像？在背景上还有第三个演员，他负责推秋千——那么，他是一场三角恋爱的参与者吗？ 但是，洛可可风格这种无忧无虑的、往往显得轻佻的举动，在绘画中不只是得到了钦佩与认可，它有时也引起了对这个社会进行批评的意见。英国人威廉·荷加斯就是这样。他以一系列既是讽刺又是谴责的漫画抨击了他那个时代的伤风败俗。它们得到了公众的喜爱，但并不是由于其社会批评和道德教育的目标，而是由于那种写实的幽默的表现方式。因此，这种抗议对相关的人和事并没有什么效果，只有革命才会对这种谴责作出评判。 我们从现代的角度审视18世纪的洛可可艺术，应该说蓬帕杜夫人是那些喜欢豪华风格者的代表人和组织者，有“众望所归”的特征。所以，才有洛可可风格作品出现后在贵族引起“共鸣”的时尚。也可以说，贵族们崇尚华丽的风气，诱发了洛可可艺术。当时上层社会的男男女女无不热心并亲自参加工艺活动，以至于这些举动有的达到令人讥笑和荒诞不经的地步。16世纪，当衰败的瓦卢瓦王的国王查理九世答应送给西班牙国王一支他亲自制作的枪时，那位西班牙大使为之惊诧不已。18世纪，路易十六的妻子玛丽成天抱怨她的丈夫沉湎在他的作坊中，甚至无暇顾及妻子，路易十六在他的作坊中潜心钻研的是钟和锁的奥秘。在这两例中我们似乎瞥见了那些把命运强加于他们身上的角色不相适应的悲剧性人们。这些人在体力劳动中发现了一个聊以自慰的世外桃源。但这对于不理朝政的帝王来说却是不祥之兆。 风靡一时的奇想多变的洛可可风格随着蓬帕杜夫人的亡故而终止，被路易十五另一情妇杜巴利夫人倡导的新古典主义而取代。但是，洛可可风格的璀璨之处，自有它超时代艺术生命力所在，现代人都公认它是19世纪下叶新艺术运动的前奏。而那些幸存的艺术精品，至今还散发着光芒，并向人们述说着那个岁月的时尚和人们不知道的故事。
法国洛可可绘画
洛可可风格的绘画以上流社会男女的享乐生活为对象，描写全裸或半裸的妇女和精美华丽的装饰，配以天堂般的自然景色或异乡风景（如威尼斯、罗马）奇物（向日葵、玉米等）。它一方面不免浮华做作，缺乏对于神圣力量的感受；另一方面却以法国式的轻快优雅使画面完全摆脱了宗教的题材。愉悦亲切、舒适豪华的场景取代了圣徒痛苦的殉难。
著名画家如
华铎（A.Watteau, 1684～1721），路易十五时代的宫廷画家，他的画看来如梦一般的生活情景，令人向往，产生愉快之感，绅士淑女们在森林中嬉戏、野餐，人物表情显得优雅。其风俗画画风即所谓的「野宴」，被誉为「绘画中的莫扎特」。代表作《到西西瑞岛朝圣》（1717，巴黎罗浮宫）、《小丑》（约1718，巴黎罗浮宫）。 布雪（ Boucher, 1703～1770），专长在「牧歌」和「神话」为题材的绘画，十足的贵族趣味，是随侍国王的首席画家，庞芭杜夫人（路易十五的情妇）的绘画老师。代表作如《戴安娜入浴》（1742，巴黎罗浮宫）、《棕发女奴》（约1743，巴黎罗浮宫）、《庞芭杜夫人》（1756，慕尼黑老绘画馆）。 弗拉哥纳尔（J.H.Fragonard,1732～1806），以华丽的沙龙生活为乐，以当代风俗为主作画，用轻快的笔触表现抒情、风雅的诱人画面，代表作如《阅读的少女》（1776，华盛顿国家美术馆）、《荡秋千》（1766，伦敦华莱士藏）。 夏丹（ J.B.S.Chardin, 1699～1779），从静物开始登上画坛，而扩及人物肖像画，非宫廷贵族的场景，仅是传达一般平民单纯而有节制的快乐，善于以沈著、朴素的色彩描绘以市民生活为题材的风俗画。代表作
其他
弗朗索瓦·布歇（Francois Boucher） 让·安东尼·华多（Jean-Antoine Watteau） 让·雷诺雷·费拉戈纳尔（Jean-Honore Fragonard） 瑞诺兹 （Sir J. Reynolds ）创办皇家美术院“瑞诺兹派” 根兹博罗 （Thomas Gainsborough ）“根兹博罗派” 隆尼（ G. Romney ） 英国的绘画 英国到十八世纪才有独特本国风格的绘画出现，虽然也采用洛可可样式，但不大考虑贵族的需要，无论在风俗画、肖像画或风景画上，都能反映英国现实生活和民族思想感情。
著名画家有
霍加斯（W.Hogarth， 1697～1764），平民画家，吸取洛可可艺术潇洒地运用色彩的一面，善于使用近乎讽刺画的技巧，深刻沈痛地钩划出时代的弊病，代表作《流行婚姻：婚后》（1743～45，伦敦国家画廊），讽刺破落的贵族强迫他们的继承人同富商女成婚，却因无感情基础而产生的悲剧；《捕虾女》（1745，伦敦国家画廊），描绘一个性情开朗、富有生气的瘦弱的贫家姑娘，打破传统肖像画以表现庄严、高贵气质为主的样式。其理论著作《美的分析》，阐述曲线是最美的线条，多方面举例说明变化与统一法则在艺术中的运用。 雷诺兹（Sir J.Reynolds，1723～92），模仿意大利古典大师的精华，关心高尚的题材，如「史画」，人物尊贵动人，但不重质感。除为人制作肖像画外，对神话景象、古代历史插曲有兴趣。他于1768年创立皇家美术学院，要求艺术家如希腊罗马一样，也能创造出理想的人体，表达崇高的原则和纯洁的美。代表作《高尚的奥古斯都》（1753～54）、《尼丽·厄布来恩》（模特儿画像，1760 ～62，伦敦华莱士藏）、《海尔阁下》（1788-89，巴黎罗浮宫）。 康斯博罗（T.Gainsborough, 1727～88），受范．戴克影响，绘画表现不落俗套，肤色、质感技巧成熟，此点胜过雷诺兹。除画肖像画外，对风景画特别有兴趣。代表作《安德鲁斯夫妇》（1750，伦敦国家画廊）、《何奥公爵夫人玛莉》（1760，Iveagh Bequest Kenwood）。
意大利
提埃波罗(G.Tiepolo,1696～1770)，十八世纪威尼斯派最突出的代表画家，他的风格以继承提香和乔尔乔尼明亮的色彩与柔和的效果为特征，其作品最大的魅力是人物形象英资勃勃、色彩明快富有感染力。也是最杰出的壁画家、版画家和漫画家，曾应邀到当时欧洲各国为王室作壁画，最著名的作品是德国费斯堡的天顶壁画（天花板），此画充分反映洛可可艺术的漂亮、风雅和轻松的特点，《圣母与握金翅雀的圣婴》（1760，华盛顿国家美术馆）也有相同的格调
编辑本段时装与家具
时装
巴罗克时装跟样式主义和西班牙时装的那种几何形状的严谨相反，深受生气勃勃的生命意识影响，这是与建筑和造型艺术的情况相同的。轮状细褶皱领过去曾跟平展的或者衬垫的 洛可可家具
衣领形成鲜明的对比，而现在不经僵硬地垂下来，后来又干脆让平披在肩上的花边领取代了。帽子都有宽边，可以按各人的气质制成宽式、高式或斜式，头发自由散披。如果缺少天生的头发，可以用假发。自路易八世起，特别是在法国，假发成了给人印象最深的特征。那种长假发在头顶部位蓬松鬈曲，然后分为两翼垂至肩上和胸前。 男装仍继续采用那种下摆宽松的上衣，也可以紧贴腰身缝制。衣袖为花边袖口，或者是只有胳臂四分之三那么长的短袖，露出里面的镶了花边的衬衫。裤子呈袋状宽松地垂至长袜处，在那儿用玫瑰花饰带子系起来。1675年前后，男装出现了迄今仍然流行的三件套。上衣演变为长至膝盖的坎肩，外面再套装饰颇多的紧贴腰身缝制的外套，裤子是细长至膝的短裤，下面是丝织长袜和带扣襻的鞋子。 巴罗克女装放弃了西班牙钟式裙那种几何形状的严谨，可是保留了宽大的髋部和紧身的胸衣。在一条颜色不同的衬裙外面，套钟形的长裙，大多在前面打褶裥，身后拖着裙 洛可可艺术
裾。洛可可女装变得爱卖弄风情，有褶裥、荷叶边、随意的花边和隆起的衬裙。一种穹顶形的鲸骨圈取代了古老的钟式裙，造成了巴罗克晚期那种典型的女性剪影效果，从过于宽大的裙子到瘦削的肩膀，再到发型高耸的头部，整个人显现出一个圆锥形。
家具
家具在巴罗克时期增加了沙发床、写字台、壁桌、抽屉柜（老式抽屉柜的一种改进型）和软垫靠背椅等品种。跟当时的所有家具一样，软垫靠背椅既稳且重，有一个向后倾的靠背，在雕花的有棱椅腿（不再旋削成圆形）之间，有桌子上普遍有的那种X形或H形的撑条。市民的巴罗克家具爱用天然木料（实心的或者贴面的），而贵族用的家具则往往要镀金，显得很华贵。 洛可可家具从其装饰形式的新思想出发，特点是把截为弧形发展到平面的拱形。圆角、斜棱和富于想像力的细线纹饰使得家具显得不笨重。各个部分摆脱了历来遵循的结构划分而结合成装饰生动的整体。呆板的栏杆柱式桌腿演变成了“牝鹿腿”。面板上镶嵌了镀金的铜件以及用不同颜色的上等木料加工而成的雕饰，如槭木、桃花心木、乌檀木和花梨木等等。伴随着路易十五时代的终结，这种有史以来最华丽、最风行的家具风格才告结束。 随着潮流的不断突破演绎，复古成了近年来最热门的话题，随而来之的是洛可可风格被沿用到家具上，其中以诗尼曼推出的洛可可系列为代表，诗尼曼整体衣柜将洛可可艺术融入家具之中，无论是饱满圆润的曲线造型，还是欧式宫廷装饰的精雕细琢，无不极力塑造优雅、低调的新古典风格，用温暖和华贵掀开新季节的篇章。据介绍，这种新型衣柜采用优质中密度纤维板，结构紧密，木质均匀细腻，以工匠纯手工勾勒出线 洛可可家具
条优雅流畅的洛可可古典花卉图案，再经过特殊工艺加工制作，才造就出这独一无二的花艺纹理。其主推的两款颜色——蝶雪之恋是柔和典雅的珍珠白，酒色魅惑是纯净妩媚的玫瑰红，在优雅之中尽显女性细腻娇柔之色。 洛可可雕花系列——典雅白 觅一处圣洁的境地，寻一段经典的爱情。她们从百年前走来，带着美丽的传说，跨越时空的隧道，化作蝶，开成花，融为雪，零落尘凡，装饰着现代都市人的生活空间，将纯洁神圣的爱情故事代代相颂……以珍珠白为基调，饰以古典镀金把手的蝶雪之恋，搭配欧式古典、简欧、田园及女性主义风格的居室，轻易营造满屋浪漫风情，柔情片片。 洛可可雕花系列——魅力红 洛可可家具
几处零散的花瓣，泛着酒后的红晕，带着腼腆的微笑，从百年前的欧式宫廷中轻盈地走来，褪去了年幼的稚嫩，焕发出低调而冷艳的成熟风韵，带着丝丝风情的诱惑……妩媚的色调如同最上等的红酒，馥郁芬芳，熏人欲醉，再加上简洁流畅的线条和精致细腻的雕花，让它能适合于大多数风格的空间。
编辑本段建筑
风格
洛可可风格反映了法国路易十五时代宫廷贵族的生活趣味，追求纤巧、精美又浮华、繁琐，别称为「路易十五式」，一度风靡欧洲。洛可可风格的装饰多用自然题材作曲线，如卷涡、波状和浑圆体；色彩娇艳、光泽闪烁，象牙白和金黄是其流行色；经常使用玻璃镜、水晶灯强化效果。洛可可风格装饰的代表作是尚蒂依小城堡的亲王沙龙（1722，让·奥贝尔设计）、巴黎苏比斯饭店的沙龙（1732，热尔曼·博夫朗设计）和德国波茨坦无愁宫。而这种建筑风格的代表作是巴黎苏俾士府邸公主沙龙和凡尔赛宫的王后居室。 洛可可艺术风格的倡导者是蓬帕杜夫人，她不仅参与军事外交事务，还以文化“保护人”身份，左右着当时的艺术风格。蓬帕杜夫人原名让娜·安托瓦内特·普瓦松，出生于巴黎的一个金融投机商家庭，后被路易十五封为侯爵夫人。在蓬帕杜夫人的倡导下，产生了洛可可艺术风格，使17世纪太阳王照耀下有盛世气象的雕刻风格，被18世纪这位贵妇纤纤细手摩挲得分外柔美媚人了。
特点
洛可可建筑风格的特点是：室内应用明快的色彩和纤巧的装饰，家具也非常精致而偏于繁琐，不像巴洛克风格那样色彩强烈，装饰浓艳。德国南部和奥地利洛可可建筑的内部空间显得非常复杂。 洛可可装饰的特点是：细腻柔媚，常常采用不对称手法，喜欢用弧线和 S形线，尤其爱用贝壳、旋涡、山石作为装饰题材，卷草舒花，缠绵盘曲，连成一体。天花和墙面有时以弧面相连，转角处布置壁画。 为了模仿自然形态，室内建筑部件也往往做成不对称形状，变化万千，但有时流于矫揉造作。室内墙面粉刷，爱用嫩绿、粉红、玫瑰红等鲜艳的浅色调，线脚大多用金色。室内护壁板有时用木板，有时作成精致的框格，框内四周有一圈花边，中间常衬以浅色东方织锦。
代表作品
波夫朗（ G.Boffrand , 1667～1754），巴黎《苏比兹宅邸》 (1736-9，例如内部的公主大厅）。 德国费斯堡（Wurzburg）住宅内的《凯瑟大听》（Kaisersaal，1749～1754），由建筑师诺曼（B.Neumann,1687～1745）领导兴建，提埃波罗（G.Tiepolo,1696～1770）负责装饰天花板上的绘画（1753）。 丹麦皇宫.中国的圆明园也是标准的洛可可建筑。
编辑本段音乐
洛可可为法语 rococo 的音译，此词源于法语 ro- caille(贝壳工艺)。是指17世纪后期～18世纪中期的欧洲、主要是法国音乐作品中的一种趣味、一种风格。它并未形成一个流派，更谈不上在音乐史上有个洛可可时期。17世纪后期，法国的建筑艺术和装饰艺术产生了一种线条繁复、装饰富丽、精致典雅的风格，人们以“洛可可”称之。洛可可风格也在17、18世纪的法国音乐作品中发生影响，但远不如在造型艺术上那样显著。法国作曲家F.库普兰所作、深受国王路易十四欣赏的许多室内乐和哈普西科德曲，多玲珑纤巧，装饰华丽，与当时的建筑式样、室内修饰以至于家具构成等各方面在风格上颇有共同之处，这些作品常被认为是洛可可风格在音乐上的早期反映。法国作曲家 L.-C.达坎所作的许多哈普西科德曲也多带着洛可可色彩,特别是命名为《杜鹃》的更为典型。法国作曲家 J.-P.拉莫所作的许多芭蕾舞曲,以和声手法新颖著称，在风格上也属于洛可可一类。 洛可可风格迅速地由法国流传至欧洲各国。在德国，G.F.亨德尔和巴赫等一代人的某些作品中，也都受到一定程度的影响。如亨德尔的《弥赛亚》中一些装饰富丽的复调写法，J.S.巴赫的《勃兰登堡协奏曲》中某些变化多端的片段甚至在J.海顿和W.A.莫扎特的一些逗人喜爱的轻松小品中，有时也还存在着洛可可的余音。 意大利作曲家D.斯卡拉蒂留下的 600多首哈普西科德曲都非常精致，装饰富丽，是具有明显的洛可可风格的作品。这种风格延续至18世纪路易十五时代达到高潮，18世纪后期逐渐消亡。
4. “京圈丑角”冯裤子背后的大佬和商业帝国
01
1964年，流着黄鼻涕的 冯小刚 在北京胡同口，看着父亲越走越远。
在这之后，冯小刚只能和母亲、姐姐相依为命。
体弱多病的母亲，每天忙得焦头烂额，就为赚几个工钱。
在食不果腹的年代，母亲还惦记着让冯小刚学画画，将来好出人头地。
冯小刚倒是有这天赋，画得比同学都要好。
要是冯小刚一直画下去，或许这个世界上就多了一个画家。
只可惜，老天爷偏偏给他赏了另外一碗饭。
1977年，冯小刚高中毕业，眼看着考大学无望，他索性去 参军 。
到了部队，领导发现他会画画，就把他调到了 美术组 ，负责舞台的布景。
在那巨大镂空的穹顶下，冯小刚拉吊杆就拉了好几年。
那时候，美术组的楼上住着 舞蹈队的女兵 。
这些女兵练完舞后，都会扎堆进澡堂。
从澡堂处理，她们一个个露出修长的颈项，湿漉漉的长发还散发着洗发水的香味。
那个画面，可把冯小刚馋坏了。
为了和姑娘们打个照面，他总是掐着点拿着饭盆去食堂，结果，一天跑三回才能偶遇一次。
但就算遇到了，冯小刚也不敢上前搭讪。
一口龅牙又穷得叮当响，哪个姑娘能看上他呢。
自卑的冯小刚，只能将这些鲜艳欲滴的姑娘悄悄装进心里。
1984年，部队精简整编，冯小刚面临 退伍转业 。
去北京城建开发总公司报道前一晚，躺在床上的冯小刚心如刀绞。
他从衣柜里拿出军装，整整齐齐地穿戴上，给母亲敬了个礼。
那个晚上，冯小刚没舍得脱掉军装，也没合眼，硬是抽了一晚上的烟。
多年后，这份遗憾和不舍会被冯小刚拍成一部《芳华》。
转业后的冯小刚，天天不是画黑板报，就是拉横幅。
浑浑噩噩的日子，让冯小刚迫切想要寻找出路。
没想到，他很快就巴结上了一个贵人。
02
那一年，冯小刚被一个叫 王小平 的姑娘勾了魂。
这个明眸皓齿的姑娘，抽起烟来，那叫一个飒。
很快，冯小刚就四处打听，准备进攻。
当时，他有个朋友刚好和王小平是同事。
好家伙，朋友一听就让冯小刚打消念头， 那可是郑晓龙的女朋友。
那时候的郑晓龙，正是北京电视艺术中心的副主任，加上又是大院子弟，整个北京胡同没人不知道他的。
冯小刚嗅到了机会，不追姑娘，改“追”郑晓龙了。
向来会耍嘴皮子的冯小刚，倒是把郑晓龙哄得服服帖帖。
那段日子，只见冯小刚跟在郑晓龙身后，又是端茶倒水，又是提包开车。
要是得闲了，就和郑晓龙谈人生，聊梦想，好不畅快。
但还没等冯小刚从郑晓龙身上捞到什么好处，他又撞上了桃花运。
当年，一个叫 张娣 的女护士，到冯小刚的公司探望自己的表妹夫。
结果，冯小刚一眼就相中了她，还画了两幅画表明心迹。
很快，在冯小刚的甜言蜜语和几两才华的攻势下，张娣就把他带回家见父母了。
父母一看这人长得跟个猴一样，又是搞艺术的，家里还有个瘫痪的老母亲，他们死活不同意，但张娣却铁了心。
就这样，冯小刚兴高采烈地把张娣娶回了家。
在那个四十平的小屋里，冯小刚许着一生一世的诺言。
张娣怎么也不会想到，将来有个叫 徐帆 的姑娘会闯入他们的婚姻。
彼时的徐帆还在武汉学习话剧表演，距离她和冯小刚的缘分，还差一个 王志文 的距离。
这时候的冯小刚，有了张娣帮他打理后方，他可以放心往上爬了。
03
1985年，张艺谋在电影《一个和八个》展现出了过人的摄影才华，陈凯歌凭借《黄土地》拿了大奖，而另一边的冯小刚还在打杂。
不过，在郑晓龙的提携下，他打杂的地方换到了 北京电视艺术中心。
在这里，没人把冯小刚当回事。
但冯小刚却自得其乐，好得一只脚踏进了影视圈。
这一年，导演尤小刚正在筹拍《凯旋在子夜》，刚好需要一个刚出场就被击毙的越南兵。
当时，有人揶揄冯小刚长得像越南人，演这个角色很合适。
没想到，在阵阵讥讽中，冯小刚居然真的客串了一把。
一边的郑晓龙见冯小刚能屈能伸，就把他带进了 《大林蟒》 的剧组。
在那里，冯小刚闲得发慌，琢磨着怎么才能熬出头。
很快，上帝又给他送了一个贵人。
当年，王朔和沈旭佳打得火热，情到浓时，两人合写了一本中篇小说《浮出海面》。
书刚写完，王朔就率先送了一本给发小郑晓龙。
王朔的文字向来诙谐幽默，让郑晓龙读得咯咯直笑。
就这样，从郑晓龙的笑声中，冯小刚听到了王朔二字。
隐约嗅到机遇的冯小刚，一口气读完了王朔的《一半是海水，一半是火焰》。
当时，这本书让王朔遭受了不少口水战，但冯小刚却喜欢得不行。
为了让郑晓龙牵线王朔，冯小刚没少下功夫。
1986年，郑晓龙终于带着王朔敲开了冯小刚的门。
那天，冯小刚亲自下厨，为王朔做了酱猪蹄和椒麻鸡丝。
不过，王朔没记住菜的味道，倒是被冯小刚捧得脸红一阵白一阵。
此后，冯小刚跟在王朔身后，在一声声“王老师”，他成功拿到了京圈的入场券。
但是，这个圈子可没那么好混，冯小刚要吃的苦头还在后面。
04
那几年，冯小刚依然跟在郑晓龙身后打杂，还得抽空对王朔溜须拍马。
王朔的好兄弟叶京对冯小刚十分不屑，看着他瘦得像个竹竿，从远处看他走路，就像飘着一条裤子。
于是，“冯裤子”三个字，成了冯小刚身上撕不掉的标签。
后来，叶京还以冯小刚为原型，写了个角色。
1990年，郑晓龙和赵宝刚合拍的 《渴望》 爆红，播出时段连犯罪率都下降了。
而王朔的小说也接连被搬上荧幕，名利双收，财源滚滚。
这时候，王朔已经撺掇马未都，喊来了莫言、海岩等人，成立了 “海马影视创作中心”。
为了让《渴望》的影棚得到二次利用，这一行人开始创作《编辑部的故事》。
结果，这个故事好不容易写完，正要开拍时， 剧本却怎么也找不到了 。
一时间，郑晓龙和王朔都急得像热锅上的蚂蚁。
说要重新创作吧，又要花费不少的人力和精力，马未都等人怎么也不同意。
就在大家不知所措时，冯小刚站出来了，他斩钉截铁地说： 我能复原剧本！
当时的冯小刚，早已将王朔的风格研究得透透的。
果然，没过多久，冯小刚交出了完整的剧本。
郑晓龙一看和原版不相上下，立马对冯小刚刮目相看。
于是，郑晓龙把这部剧的主题曲和插曲的词，都交给了他。
更绝的是，冯小刚凭借那张三寸不烂之舌，将葛优挖了过来。
最终，这部剧火遍大江南北，冯小刚算是彻底翻身了。
很快，郑晓龙又让冯小刚参与《遭遇激情》的编剧，没想到，冯小刚踢开了金鸡奖的大门。
到这里，属于冯小刚的时代要来了。
05
1992年，王朔一边死磕剧本，一边到北电猎艳。
结果，18岁的 徐静蕾 闯入了他的后宫。
与此同时，张艺谋顾不得糟糠之妻，和巩俐一起磨刀霍霍打江山。
而陈凯歌和洪晃离了婚，又掉进了倪萍的温柔乡。
看着这些大佬新欢旧爱，日子好不快活，冯小刚也坐不住了。
这一年，他写完《大撒把》的剧本，四处寻找合适的女主角，刚好碰到前来试戏的徐帆。
24岁的徐帆，刚和王志文分手，那张忧郁的小脸，看得冯小刚直流口水。
在剧组的朝夕相处后，冯小刚火速对徐帆发起进攻，奈何连连战败。
最后，还是在王朔的助推下，冯小刚才拿下徐帆。
狗血的是，当时，张娣为冯小刚生下孩子还不到一年。
张娣看着冯小刚夜夜不归，倒也不吵不闹，觉得他玩够了就会回家。
她怎么也没想到，冯小刚会被徐帆吃得死死的。
就在冯小刚享受齐人之福时，又一个彩蛋砸到了他头上。
那时候，出国念书和淘金，是 社会 的主旋律。
嗅到商机的郑晓龙，筹备起了 《北京人在纽约》。
资金不够怎么办，他拉上冯小刚，一起向银行贷款150万美元。
冯小刚也是狠人，揣着这些钱，就跟着郑晓龙去 美国 了。
郑晓龙看冯小刚这么拼，索性邀请他一起执导。
但很多人不服气，冯小刚就一打杂的，凭什么当导演。
直到王朔站出来力挺，才平息众怒。
最终，这部剧拿下3个大奖，为冯小刚的导演之路打响了第一枪。
06
1993年，冯小刚拉上王朔和制片人彭晓林，一起开了家“ 好梦公司 ”。
投资金额10万，旗下员工为0，但王朔放出狠话： 只要公司发展起来，卖出三分之一的股份，就是上千万。
当年的影视公司，犹如风口上的猪。
果然，没过多久，就有大佬想要收购他们公司。
就在冯小刚等着数钱时，这个大佬突然消失了。
“好梦”三人备受打击，决定自己干一番事业。
没有资金怎么办？
冯小刚灵机一动，搞了个隆重的开业仪式。
王朔利用自己的知名度，把圈里的大腕都邀请了过来， 收割了一笔不菲的“份子钱”。
很快，冯小刚就开始写剧本，结果闭关十几天，硬是一个字都写不出来。
王朔看着冯小刚那张苦瓜脸，把自己的 《永失我爱》和《空中小姐》 扔给了他。
经过王朔一点拨，冯小刚把这两本小说杂糅成了电影，还喊来了徐帆坐阵。
不过，这部电影没能激起什么水花，倒是让冯小刚真的入了圈。
后来，站在王朔的肩膀上，冯小刚又拍了《一地鸡毛》《冤家父子》，算是让好梦公司站稳脚跟了。
但好景不长，又一场风波悄然而至。
1997年，王朔的文学被口诛笔伐，让他一夜从神坛跌落。
只要和他相关的影视作品，全部过不了审。
心灰意冷的王朔，只能前往美国避风头。
临走前，他语重心长地和冯小刚说：“我的小说，你该用就用，但不要署我的名了。”
这时候的冯小刚，模仿港台，做起了贺岁片。
很快，他就将王朔的 《你不是俗人》改编成了《甲方乙方》 。
最终，这部电影大卖，3600万的票房把冯小刚砸晕了。
当然，电影的功劳簿上，没了王朔的名字。
不过，冯小刚也没那么混蛋，看着落魄不堪的王朔， 还是送去了5万的稿费。
这一送，彻底把王朔得罪了。
王朔倒不是嫌钱少， 而是看不上冯小刚身上的铜臭味。
就这样，王朔和冯小刚渐行渐远，好梦公司也关门大吉了。
失去了王朔这座靠山，冯小刚一边用冯氏喜剧贺岁片建立商业帝国，一边又勾搭上了刘震云和刘恒等人。
这时，如日中天的冯小刚，又干了件大事。
07
1999年，冯小刚和徐帆已经在一起7年了，再不结婚就要散了。
“重情重义”的冯小刚，果断和张娣离了婚， 转身就把徐帆娶进了门。
32岁的徐帆不会想到，张娣的下场，也会是自己日后的写照。
这一年，在广告业做得风生水起的 王中军 ，看好了影视投资这块肥肉。
于是，他拉着王中磊，准备找合伙人。
很快，这两兄弟就盯上了姜文、陈凯歌和冯小刚。
当年，姜文的《鬼子来了》被封杀，陈凯歌的《荆轲刺秦王》骂声一片，唯有冯小刚的《没完没了》收获颇丰。
2000年，王氏兄弟前脚成立了华谊，王京花后脚就带着陈道明、刘嘉玲、夏雨等人入驻了。
流量有了，就差转化成钱了。
这时候的冯小刚，为了抱紧华谊这颗大树，他又想到了好兄弟王朔，准备把《过着狼狈的生活》改编一下。
但王朔可不愿再和他同流合污，索性闭门不见。
这可把冯小刚急坏了，他只能放低姿态去求 叶京。
最终，在叶京的牵线下，王朔才松了口。
后来，《一声叹息》卖了3000万票房，冯小刚成功搭上了华谊的船。
但这艘船可没那么好坐，一个巨大的陷阱还在等着冯小刚。
此后几年，冯小刚从《手机》《大腕》到《天下无贼》《夜宴》，帮华谊赚得盆满钵满。
或许是操劳过度，冯小刚身上的白癜风斑越来越明显。
但他就是戒不了酒，日夜担忧的徐帆，索性领养个女儿防范于未然。
2009年，王朔勾搭上了王子文，冯小刚也紧随其后， 和主持人沈星传出了绯闻。
就在“夜宿门”闹得满城风雨时，冯小刚又出事了。
这一年，近百名编剧炮轰冯小刚在《集结号》中署名不当， 那句“一些导演没有当大哥的意识”把冯小刚的脸打得生疼。
不过，冯小刚懒理这些言论，他正在酝酿一个大计。
那时候，《非诚勿扰》大卖的同时，冯小刚和华谊的合约也到期了。
于是，他就寻思着自己出来单干，还拉上了 张国立。
结果，这两人被投资人坑惨了。
张国立一头扎进了这个大坑，而冯小刚却回到了华谊的怀抱， 还拿到了3%的股权。
为表忠心，他又向华谊献上了《唐山大地震》《一九四二》《私人订制》。
但在资本的江湖，冯小刚还是太嫩了。
2015年，华谊收购了冯小刚的“东阳美拉”，还签下了对赌协议。
信心满满的冯小刚，怎么也不会想到，属于自己的时代悄悄过去了。
此后几年，他的《芳华》《手机2》《只有芸知道》，宣传力度不小，票房却不佳。
期间还碰上了小崔，惹了一身骚。
更令他绝望的是，如日中天的华谊，也日渐萎靡。
在影视业的寒冬中，冯小刚寻思着追随时代的潮流，拍一部网剧来玩玩。
于是， 《北辙南辕》应运而生 ，冯小刚还喊来宋丹丹、黄渤等大咖来客串。
有意思的是，如此巨大的阵容，换来的是4.7的评分。
63岁的冯小刚，用力诠释着市井小民的“接地气”，却成了另一部《小时代》。
回望冯小刚这30年的电影路，从一穷二白的冯裤子走到京圈大咖的位置，着实下了狠功夫。
叶京曾奚落冯小刚是一个很会利用别人的丑角。
从郑晓龙到王朔，冯小刚的确没少吸他们的血。
这种能力成就了冯小刚，也让他坠入无边的深渊。
不得不说，冯小刚真的老了，老得只剩资源和傲慢。
5. 12幅世界名画。。。谁知道
弗美尔《倒牛奶的女仆》
http://image..com/i?ct=503316480&z=0&tn=imagedetail&word=%B5%B9%C5%A3%C4%CC%B5%C4%C5%AE%C6%CD&in=21384&cl=2&cm=1&sc=0&lm=-1&pn=2&rn=1&di=148798881&ln=12（我不是2级不能post图片，望见谅）
这一幅《倒牛奶的女仆》作于1685年，构图不很复杂，轮廓较清晰，环境纯朴。将一个简朴的厨房画得很有感情，甚至能令不少观者产生不同的怀旧心理。女佣人是个健壮如牛的村妇，她塞起了胸前围裙的一角，正忙着准备早餐。左边墙角有一窗户，一边挂着一只藤篮和一盏马灯。桌上杂乱地摆着一些食物。所有人和物的质感都很强烈。
弗美尔所生活的年代，是荷兰独立后新兴市民阶层高度发达的时代，而弗美尔所居住的德尔夫特城，据说有“欧洲最清洁的城市”之称（在丹纳的《艺术哲学》里对17世纪荷兰市民喜爱清洁与有秩序的生活方式作过详尽的介绍）。我们只要遍览弗美尔不同时期的风俗画，就能领略它的这些特点。这幅画虽然只能见到一户人家的厨房一角，然而女佣人的随遇而安的精神面貌，似乎可以给我们提供那个时代人民的普遍心理信息。
凡.高，《向日葵》
《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,凡高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。
http://image..com/i?ct=503316480&z=0&tn=imagedetail&word=%E8%F3%B8%DF%CF%F2%C8%D5%BF%FB&in=5370&cl=2&cm=1&sc=0&lm=-1&pn=0&rn=1&di=1547592376&ln=422
莫奈《睡莲》
莫奈在《睡莲》的画中竭尽全力描绘水的一切魅力。水照见了世界上一切可能有的色彩。水在莫奈的笔下，完全成为世上所能有的色彩绘出的最奇妙和富丽堂皇的织锦缎。马奈称他是“水的拉斐尔”。
在莫奈的《睡莲》中，与其说他是用色彩表现大自然的水中睡莲，不如说他是用水中睡莲表现大自然的色彩。评论家瓦多伊的评价是：“他早期的那些画没有一幅能与这些难以置信的水上风景相提并论的，因为这些画把握了春天，把它留在人间。画面的水呈浅蓝色，有时像金的溶液，在那变化莫测的绿色水面上，反映着天空和池塘岸边以及在这些倒影上盛开着清淡明亮的睡莲。在这些画里存在着一种内在的美，它兼备了造型和理想，使他的画更接近音乐和诗歌。”
http://image..com/i?ct=503316480&z=0&tn=imagedetail&word=%C4%AA%C4%CE%CB%AF%C1%AB&in=24752&cl=2&cm=1&sc=0&lm=-1&pn=9&rn=1&di=107280961&ln=385
拉斐尔《雅典学院》
作品简介 这幅《雅典学院》（1510～1511年作），是以古希腊哲学家柏拉图所建的雅典学 院为题，以古代七种自由艺术——即语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文为 基础，以表彰人类对智慧和真理的追求。艺术家企图以回忆历史上黄金时代的形式， 寄托他对美好未来的向往。它的主题思想，就是崇拜希腊精神，追求最高的生活理想， 这正是人文主义艺术家自己的宿愿。 全画以纵深展开的高大建筑拱门为背景，大厅上汇集着不同时代，不同地域和不 同学派的著名学者，有以往的思想家，也有当世的名人。他们在自由地讨论，情绪热 烈，好象在举行什么典礼，或庆祝某个盛大节日，洋溢着百家争鸣的气氛，凝聚着人 类智慧的精华。这座建筑物显然是以布拉曼特设计的圣彼得大教堂为范本的，两侧的 壁龛里，分别供立着智慧女神雅典娜雕像（在右侧）和音乐之神阿波罗雕像（在左侧 ）。中心透视点的层层拱门，直通遥远的天际，这是一个极其神圣的环境，学者们被 对称地、然而富有节奏地配置台阶两侧，上层台阶的人物排成一列，中心是两位伟大 的学者——柏拉图与亚里士多德，他们似乎边进行着激烈的争论，边向观众方向走来。 亚里士多德伸出右手，手掌向下，好象在说明：现实世界才是他的研究课题；柏拉图 则右手手指向上，表示一切均源于神灵的启示。这两个对立的手势，表达了他们思想 上的原则分歧。其余的人，众星托月，有的在注视，有的正在谛听这两位老人的谈话， 自然地形成几个小组。 现在再介绍上层台阶上的人物：左上方柏拉图的一侧，一个大胡子老人沉浸在思 考中，苏格拉底刚转身向旁人阐述伦理学上的论据，自左向右第五人是个青年军人， 名叫阿尔西比亚底斯，他的背后有一个人正在招呼走来的两个青年。右上方亚里士多 德的一侧，两个倚在壁龛墙基前的青年，一个在写着，一个在思考，另一个黑袍人物 却孤独地站着，这3个人与左面的一组，在动势上是相反的。 台阶下面的左侧，以坐在地上专注地书写着的数学家毕达哥拉斯为中心，一少年 在旁给他扶着木牌，牌上写的是“和谐”的数目比例图。在他背后一个老人正在记录 毕达哥拉斯的论据数，后面那个伸着脖子、头缠白巾的学者，即是回教学者阿维洛依。 背后稍远，还有一个头戴桂冠，胸靠柱基站立的人，他是语法大师伊壁鸠鲁。在毕达 哥拉斯前面站立的那个用手指着书中句子的学者，是修辞家圣诺克利特斯，两人中间 还有一位身穿白色斗篷的金发青年，他面目英俊，表情冷峻，在向观众凝视着，被认 为是弗朗西斯柯·德拉·罗斐尔，他是乌尔宾诺未来的大公。 台阶下右侧一组，中心人物是躬着身子、手执圆规在一块黑板上给学生演算的几 何学家欧几里德（一说是阿基米德），周围是他的四个学生。这四个人似乎对老师的 讲解领悟得不一样。旁边那个身穿古代黄袍、头戴荣誉冠冕、手持天文仪的，是埃及 天文学家托勒密。在尔托勒密的对面，即是画家拉斐尔的同乡、建筑家布拉曼特（蓄 须的老人），而最边上那个头戴白帽的人，正是画家索多玛，上面露出半个脑袋、头 戴深色圆形软帽的青年，就是画家拉斐本人。把自己画进历史题材内，是当时画家们 喜用的表现方式，只是拉斐尔留给自己的位置太少了点。 画中央的台阶上，躺着一个孤寂的犬儒学派哲学家第欧根尼。这位学者主张除了 自然需要之外，其他任何东西，包括社会生活和文化生活都是无足轻重的，所以他平 时只穿一身破烂衣服，住在一只木箱里。这个人物在构图上起了填补空白的作用，他 与右侧正往台阶上走去的两个人物相联系，同时又与左下角那个倚靠在石桌前沉思的 学者赫拉克里特彼此呼应。赫拉克里特形象孤单，据许多学者考证，认为是拉斐尔参 照了米开朗基罗的《创世纪》壁画里的一个预言家圣耶利米的形象的结果。事实上， 这里的许多形象，体格壮健，动作有力，与米开朗基罗的艺术形象颇有联系。更有意 思的是，柏拉图的头像正是画家以达·芬奇的头像为范本的，可见拉斐尔对前述这两 位大艺术家的崇敬心情。 这幅画的色彩处理也很协调，建筑背景全是乳黄色的大理石结构，人物的衣饰有 红、白、黄、紫、赭等色相交错。透视法的水平是很高的，它不仅增强了画面的空间 深远感，连地面的图案，拱顶的几何装饰结构，都精确到可以用数学来计算。
http://www.artcn.cn/art/yxyy/painting/200611/11819.html
米开朗琪罗《最后的审判》
1535年末，米开朗基罗已年逾六十，教皇仍要他为西斯庭教堂祭坛后面的大墙上绘制壁画西斯庭教堂天顶画画后，教皇兴奋异常，根本不顾艺术家年事已高，企图“让他显示其绘画艺术的全部威力”。 这种疯狂的艺术剥削行为，使米开朗基罗身心俱悴。 老艺术家从1535年末至1541年10月31日止，用了近6年的时间,完成了这一幅体现着画家大无畏艺术魄力的多人物构图《最后的审判》,在这块将近200平方米的祭坛后的大墙上，他绘出了数以百计的等身大小的裸体群像。
这幅壁画也和天顶画一样，是由米开朗基罗独力完成的。《最后的审判》是圣经的传统题材，在所有的教堂里几乎都有这个主题的壁画。它无非是宣传人死后凡行善升天，作恶入地的因果报应。基督教义说，耶稣被钉死后复活，最后升入天国。他在天国的宝座上开始审判凡人灵魂，此时天和大地在他面前分开，世间一无阻拦，大小死者幽灵都聚集到耶稣面前，听从他宣谈生命之册，订定善恶。凡罪人被罚入火湖，作第二次死，即灵魂之死，凡善者，耶稣赐他生命之水，以求灵魂永生。画家借题表现了许多代表人类正义的呼声的精神形象：在画面最上端，即靠近天顶两个拱形下，左右各绘了一组不带翅膀的天使，他们围住耶稣的刑具，左面一组抱的是十字架，右面一组抱的是耻辱柱。两组人物在云端里向中央倾斜。下面占中心地位的是耶稣形象，这个形象与以往壁画上的耶稣均有不同，他是个壮年英雄，神态威严，不大象圣经上的救世主，倒象一个公正的裁判员。他高举右臂宣告审判开始。在他右侧的圣母马利亚，正蜷缩在耶稣身旁，用手拽紧头巾和外衣，不敢去正视这场悲剧，“世界的末日”，对这位善良的妇女来说是太可怕了。
在耶稣的左侧(即画面的右方)，有体形高大而年迈的使徒彼得，他拿着城门钥匙正要交给耶稣。在最右边，还可找到背负十字架的安德烈，拿着一束箭的殉道者塞巴斯提安，手持车轮的加德林，带着铁栅栏的劳伦蒂。在耶稣左侧的下面，有十二门徒之一的巴多罗买，一个脸上布满惊骇状的老人形象。他手提着一张从他身上扒下来的人皮，这张人皮的脸就是米开朗基罗自己被扭曲了的脸形。这是米开朗基罗有意这样添加上去的。这些人物都拿着生前被折磨死的用具，诉说着自己的痛苦。在耶稣的右边(即画面的左侧)也有许多历史与神话人物：那个左手背小梯子的，通常被认为是亚当，后面围红头巾的女人，即是夏娃另一个体格壮实的裸体老人，即是圣保罗形象。在这些使徒的下面，是一些被打入地狱的罪人，有的在下降，有的因为生前行善，正在渐渐上升，如画面左侧下部地面上有几个呈骷髅状的幽灵，由于他们的善良，骨骼上重新在长出肉来。在耶稣的中央下部，有一小舟上载七个天使，他们受圣命之差，驾云来到地狱，吹起长长的号角，召唤所有的灵魂前来受审。在这只小舟的右边，有一个头身倒置的、身带钥匙的裸体形象，人们都能指出这是教皇尼古拉三世的权力在下坠的象征，因他生前实行僧侣捐卖制，出卖教职，理应受到惩治。在画面的右下角，有一长着驴耳朵，被大蛇缠身，周围还有一群魔鬼的判官朱诺斯，这里暗指教皇的司礼官，即那个曾在教皇面前攻击米开朗基罗这幅壁画的比阿乔·切萨纳形象。
这幅气势磅礴的大构图，体现了米开朗基罗的人文主义思想，他要用正义来惩罚一切邪恶“末日”意味着人类悲剧的总崩溃，所有这些形象尽管有的有名有姓，有的泛指一定的社会阶层，大上仍未违背宗教公式的模子。艺术家以超人的勇气，全部采用裸体形象来展示，这又一次证实了他敢于肯定人的意义。米开朗基罗的原则是，执行艺术主要任务的道是人体，因为他们最能体现人的品质。1546年，司礼官切萨纳却在新教皇面前搬弄是非说：“在一个神圣的地方，画这么多显露全身的裸体形象，太不相宜了；这件作品绝对不适用于教堂，倒是可以挂在澡堂或酒店里。”于是新教皇下令让另一个叫丹尼埃·达·伏尔泰亨的画家，给壁画上所有裸体的下身添画了些布条。后人就给这位画家起了一个诨名“穿裤子的画家”。
《最后的审判》于1541年圣诞节前“开光”了，整个罗马城为之沸腾。人民瞻仰它，视若神明，尤其是壁画中央的那个耶稣，简直是意大利人民英雄形象。他有神的威力，他可以呼风唤雨，他的手势就能使无数裸体变成时代的旋风。艺术家的卓越的写实主义，使意大利人民倾倒了。人民从这个形象上似乎听到了真正的天庭惩罚声，他要惩罚那些使祖国忍受耻辱和出卖人民利益的显要人物。壁画完成后，连远在威尼斯的他的学生瓦萨里也赶来观看，这位美术史家后来是这样评述米开朗基罗的：
“我们已经看到，至高无上的教皇朱理二世、利奥十世、克里门斯七世、保罗三世、朱理三世和庇乌斯五世，都想把他吸引到身旁。同样，土耳其苏丹苏里曼、法国国王弗朗茨·瓦卢亚卡尔五世皇帝、威尼斯元老院、美第奇家族柯西莫公爵，都愿意向他提供荣誉津贴原因不外乎企求分享他的艺术光辉。只有具备他这样崇高威望的人，才能受此厚待。世人都已目睹并且承认，在他那里，三种艺术都被提高到了完美无缺的境地，这种完美，无论是在古代大师那里，还是在近代大师那里，都不曾见过。”
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张择端《清明上河图》
《清明上河图》 本是进献给宋徽宗的贡品，流传至今已有800多年的历史。其主题主要是描写北宋都城东京市民的生活状况和汴河上店铺林立、市民熙来攘往的热闹场面，描绘了运载东南粮米财货的漕船通过汴河桥涵紧张繁忙的景象。作品气势恢弘，长528.7厘米、宽24.8厘米。画有587个不同身份的人物，个个形神兼备，并画有13种动物、9种植物，其态无不惟妙惟肖，各种牲畜共56匹，不同车轿二十余辆，大小船只二十余艘。这件现实主义的杰作，是研究北宋东京城市经济及社会生活的宝贵历史资料。《金明池争标图》描绘的是皇帝带领近臣到金明池观水战、赛龙舟的热闹场面。图长28.6厘米、宽28.5厘米，略呈正方形。小小的画面，把周围9里多的池面及池岸边的景物悉数摹画下来。着重描写池中的大龙舟及周围的小船，用动静结合的手法，概括地绘出了金明池的全部景色和皇帝观看争标的场面，画面紧凑，结构严谨，主题突出。
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葛饰北斋《神奈川冲浪里》
画面以大胆而直接了当的构图和造型手法，表现了一个激动人心，令人振奋的场景：在汹涌澎湃的海浪中，有两条奋进的船只，远远望去是富士山。作者以极低的视点创造形象，表现出动荡不安、紧张激烈的氛围。左面高高隆起的浪尖，犹如一片乌云从天而降、扑面而来，充分显示了大自然的巨大威力。作者也许就是试图通过这一手段来表现人与大自然的抗争，并以次象征日本民族的精神和气节。因此，这不仅仅是一幅风景画，它充满着哲理和深刻的寓意。画面色彩统一在蓝色的调子之中，黄色的船只及近似于土黄色的天空和背景，与海浪的蓝色形成鲜明的对比，浪花的表现更加渲染了画面的紧张和归纳的手法，准确地表达了该画的主题，表现了具有阳刚之气的风格特征和乘风破浪、勇往直前的大无畏精神。
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安格尔《泉》
安格尔一生中在裸体素描上下过精深的功夫，而且只有当他面对裸体模特儿时，他的现实主义真知灼见才特殊地显现出来。这位古典主义绘画的末代风流画家，吸收文艺复兴时期前辈大师的求实的技巧，使自己的素描技巧发挥到炉火纯青的境地。安格尔在裸女上所寄予的理想，则是“永恒的美”这一抽象概念。究其实，乃在于寻求以线条、形体、色调相谐和的女性美的表现力。这在他那些描写土耳其宫女的裸女画上尤为明显。晚年，安格尔画了这一幅《泉》，则进一步反映了画家对美的一种全新观念，那就是他深深觉得用精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性。76岁高龄的安格尔，终于在这一幅《泉》上，把他心中长期积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美，找到了完美结合的形式。
他在这幅画上展示了可以得到人类普遍赞美的美的恬静、抒情和纯洁性。有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家衰年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想化了。”
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波提切利 春
略早于《维纳斯的诞生》一画的波提切利的另一幅名画《春》(1476～1478年)，也属于这一类题材的作品。在这里，人物比前一幅要多些，也是按照诗人波利齐安诺的诗来创作的：中间也是一位维纳斯，但形象并未比前一幅上的维纳斯有更多的欢乐情绪。相反，倒是左边三位优美女神(阿格莱西、塞莱亚、攸美罗西尼)描绘得富有生气：森林边，这三位女神沐浴在阳光里，正相互携手翩翩起舞。右边的一个象征华美，中间一个象征贞淑，左边一个象征欢悦。她们将给人间带来生命的欢乐。波提切利用中世纪的装饰风格来展现这三位女性形象，线条富有节奏感，人物的形体美借助于线条来体现，十分流畅。 在画的右边，分别是花神、春神与风神(自左至右)三个形象，象征春回大地，万木争荣的自然季节即将来临。
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