梵高的帽子

① 一个戴帽子的人含着烟斗的油画是什么人画的

这幅作品的作者是荷兰画家梵高。

梵高于割耳事件后，增画过数张包着伤口的自画像。这幅画中橙红绿三色产生活泼的色彩效果。叼着烟斗的梵高神情有些呆滞。袅袅白烟对画面中因为色彩浓重而产生的压迫感，有减轻的作用。

下面是梵高割耳时期的另一幅作品。

② 这幅画的名字叫什么，并对这幅画赏析

您好，是《播种者》，文森特·梵高，1888年，布面油画，梵高博物馆，文森特·梵高基金会，阿姆斯特丹

太阳沿着地平线滚动。在播种者黑色人形的后面，这一天似乎停止。厚重的黄色颜料看起来拖慢了时间前进的脚步。自然掉入了画中人的行动节奏。大地的沉重也停住了他的进步。

画中风景简单，拉出一个三角形，留出河流的空间。一根强健的树干切过画面，树枝弯曲尖锐，上面有一些花，延伸到画面之外。花太高，男人不会抬头去看。他可能甚至都没有看到这棵树，这棵仿佛直接从日本版画移植到他土地中央的树。画家可能喜欢什么，就参考什么；对播种者来说，不管是在他经过时朝他弯腰，还是把画面一分为二，他对这树都毫不关心。然而，如果他能注意到身旁的树皮跟他很像，他可能就不会那么孤独了。他与自己周围的世界隔离开来。远处的房子看起来很小，他不知道自己已经走了这么远。背上的袋子依旧很重，但他必须继续。

每一笔都翻腾着深厚的土地和谷物，落在潮湿的画布上。疲劳慢慢在赭色和黑色色块上留下它的印记。播种者就是自己在其中劳作的土地的一部分，他们由同样材料制成。土地磨砺着他的五官，在粘土色块构成的脸上留下刻痕。他的两颊内缩，后背低弯，把自己裹在一起，用帽子庇护。他永不会老，又或者只是忘记了他的年龄。整个轮廓被漫长的岁月打磨、塑造。他的手、还有弯曲的手指，只知道播种的姿势，已经是碗状，仿佛它自己就能完成整幅画——只要一个有力的手势，把土地全部抹掉，留下空空的画布。画家不会对此感到讶异，而且希望握住这逼近的手。播种者不会停止。

天空反射出未来庄稼的颜色。树的另一边，绿色的浓度不断增加，恰似某种承诺。太阳在等待这个坚持不懈的人完成一天的工作。梵高让他毫无选择：耶稣讲的故事不会说谎，他不会白白工作，谷物不会浪费。天空向画家的信仰鞠躬，画家反复阅读自己的圣经。无上荣耀的太阳在画作后面沉落。播种者低着头，没有发现：暮光已经在他周围画出一个光环。

③ 谁能帮我鉴赏一下梵高的“戴草帽的自画像”

凡·高自画像的美学分析

20世纪的艺术史研究，处在一个方法不断变革的文化语境中，一件艺术作品历久弥新，不但需要它自身具有艺术价值，也在于能够有不同的解读方法赋予它以丰富的意义差异。这种差异彼此之间不是互相否定和排斥的，而是相互补充和参照，形成一个召唤思想的整体。当然，艺术多元化特征自身性质也决定了这一点。

当代艺术史家从各种不同的角度、不同的领域对艺术进行多层次多维度的研究，其中比较著名的艺术史分析方法有：形式主义美学分析法、图像学方法、结构主义和解构主义（后结构主义）分析法、新马克思主义分析法和精神分析学方法等等。这些新方法层出不穷，日新月异，大有“乱花渐欲迷人眼”之势。不过，方法论本身并不具有本体意义，人们是要通过新的方法抵达被遮蔽的艺术本体，揭示艺术本体的深层内涵，从而展示出人本然的处境和存在的意义。

诚然，要洞悉一件艺术品的艺术本体，还需要创作者和观者拥有一定的独创性认识，这依赖于他们的学识和美学修养，它可以反映一个人的社会、政治、经济甚至性的观念。此外，观者观赏一件美术作品的时间和空间，也是解读一件艺术品的重要参照。本文试图借助于一些艺术史分析方法，考察荷兰画家文森特•凡 •高（Vincent van Gogh，1853-1890）自画像艺术本体的意义和解读无限的可能。

凡•高，19世纪后期印象主义代表性画家，他从1886年至1890年艺术成熟期自画像作品多达四十几件，这在自画像艺术史上无疑是突出的，同时，也因凡•高对现代艺术产生的重大影响和受到现代社会的普遍关注。因此选取这一题材作为参照具有一定的价值。

形式主义分析法

形式主义分析者他们认为，形象出自线条、形态和色彩上观察到的一点，再进一步讲，是出自线条、形态和色彩排列的美学效果。

【图1：《戴草帽的自画像》，木版油画，40.5×32.5cm ，1887年夏于巴黎，阿姆斯特丹凡•高博物馆藏。 Self- portrait with Straw Hat，Oil on cardboard 40.5×32.5cm Paris summer 1887，Amsterdam Van Gogh Museum】

如图，是一张凡•高1887年《戴草帽的自画像》，用这种观念来分析凡•高的这幅自画像时，我们就能注意到：整幅画面都是明亮的黄色，纯色面积较大，无论人物和背景，黄色是基本的色调，画家用明确的红色线条勾勒出人像的轮廓，人像旁用粗略且不规则的蓝色短线条交代出背景。即有一定的视觉真实感，又有很强烈的平面效果。凡•高说：“我始终固定一个位置作画，注意掌握画中最本质的东西，然后在轮廓线所限定的每块空白处填满色彩。不管它是否表达了什么，反正是能感觉到的色彩，也是简化了的色彩。”1这段话反映了凡•高对线条和色彩的个性化理解，同时，也传达了他创造的视觉语言的独特特征。画布上生动的描绘，依赖的是凡•高完全个性的、热情的和浓厚的色彩和坚定的线条，画家有力的眼神表达了他创作过程中强烈的自信心。另外，他热衷于自然光的表现，正说明了那个时代画家们对室外阳光真实性表现的探求。

诚然，凡•高自画像本身色彩和线条构成的美学效果就足以有意味深长的感染力。但是一件成功的艺术品应在形式和意味两方面给人留下深刻印象。所以，图像学分析方法凸现重要。

图像学分析法

图像学方法涉及到内容和主题的含义。研究图像学方法的代表人物帕诺夫斯基认为内容对艺术作品的含义具有决定性的意义。一件艺术作品之所以能够打动人——就像凡•高的自画像一样，主要取决于作品给人在形式和内容两个方面给人留下深刻印象。相比较而言，人们对具象作品的解读通常采用这种方法。比如，肖像画创作的构思阶段，往往艺术家先接受定件或者寻找模特，然后设计构图和色彩，并在结合模特自身的个性基础上创作出艺术形象。这样创作完成的作品一定体现出艺术家个人化的艺术语言、模特独特的身份和个性或两者兼而有之。后来的鉴赏者和艺术史家据此写下一段段解读的文字和关于创作此件作品的叙事。勿庸置疑，这时的作品就有了更为宽泛的蕴涵，人们能够把它放到整个文化史中讨论，也就是说此时的“凡•高自画像”就有了美学史和文化史的双重意味。我们可以在艺术史中寻找有关“自画像”的信息并作此项研究。当然，这是一项复杂的任务，不是短小的篇幅所能解决的，需要更深入专门的研究。这里仅以凡•高自画像题材主题为着眼点谈谈形式背后的内容含义。

19世纪后期，活跃于巴黎的革新艺术家们，他们与现实社会是矛盾的，是精神上的孤独者。在印象主义摆脱了对文学、历史、题材和技法的依赖后，也抛弃了传统的绘画思想，探索绘画自身独立的价值。“绘画就是绘画，不是历史、文学或者其它什么东西。”等主观思想照亮了这些革新者，也成为现代主义绘画的一支精神源流。此时，社会振荡转型，外国艺术的影响（这里主要指日本浮世绘版画），科技尤其是光科学的进步，社会价值冲突日益显露。这一系列的问题引起了艺术家们关注和思考。

艺术作品的题材和创作过程需要找到一个解决自身问题的办法。因而，肖像画这个古老的题材，在印象主义画家手中衰落后，又一次在革新者眼中开启了新的意义，也促成了这些艺术家人格的形成。对伦勃朗伟大肖像画的记忆和对德拉克洛瓦的崇拜在凡•高自发对肖像主题中被唤醒。他知道这是一种回归，因为当时的艺术偏离了人脸的研究。

凡•高这一时期的自画像和荷兰农民肖像画，就是反映了他离开巴黎后正在寻找一种从印象派演化出来但超脱于印象派之上的艺术。因为当时的印象派已无法反映抱负远大、反叛、幻灭的灵魂。他说：“如果印象派画家立即对我的作画方法横加指责，我不会感到惊讶，因为滋养我的创作方法的，与其说是他们，不如说是德拉克洛瓦2的思想。我并不力求精确地再现我眼前的一切，我自如而随意地使用色彩是为了有力地表现我自己”3。

另外，对凡•高系列自画像色彩背后涵盖内容的图像学讨论是最为重要和最有意义的，限于篇幅，我将另外撰文探讨此问题。

结构主义和解构主义分析法

索绪尔4把符号引入语言学研究，引发了语言学研究的革命。他认为，符号是最基本的元素，由物体和其名称或发音的统一体。物体是“所指”（被称呼的），而名称是“能指”（用来称呼的）。所指＋能指＝符号。简言之，被称呼的物体是表述对象，是艺术品固有的物质材料，用来称呼的名称是表述结果，是精神观念。在结构主义者眼中，表述对象和表述结果之间的连接完全是任意的。这方法运用于凡•高自画像时，“Self-Portrait”的英文单词组成表述对象，是一个符号，符号本身不具有太多的意义，但我们在大脑中形成凡•高自画像的形象时，就会附加上许多其它信息。例如凡•高的贫穷、偏执狂和持久的孤独；尽管一生没有卖掉一幅作品，但对艺术追求宗教般的虔敬。

另外，有些符号学家用发展中的流派和风格的术语解读艺术符号，在这方面，凡•高的自画像反映他受当时新印象主义（点彩派）领军人物修拉和西涅克的影响，在画布上用粗略的色点并置。他的自画像中有几幅是明显在这种技法影响下创作成的。凡•高说：“……他们的点彩法是一个新发现。总之，我非常喜欢他们”。5同时，这种色彩和构图方法的使用也反应了19世纪末印象主义对传统艺术的革新，即从文艺复兴以来追求错觉的视觉效果向艺术平面化方向发展。当然，凡•高在创作这一作品时，并没有赐予这张自画像那么多的含义，是后来的解读者从大的文化和美术史出发附加到作品中的。

解构主义者则持深层怀疑论的思想，他们质疑一切，解构一切，形成相对开放的体系。法国哲学家德里达创造了“解构”、和“分延”两个关键词，开启了解读艺术作品的其它可能。这种解读方法有点像电脑的病毒，它破坏了正常的解读规则，但又通过寻求不确定性创造了新的意义。在解构主义者眼中，这幅自画像中的人物是凡•高吗？他是画家还是农民？自画像本质上是凡•高自己吗？这些问题凡•高没有给出答案，他只是画了他的自画像而已。

新马克思主义分析法

马克思和恩格斯吸收了德国古典哲学和英法的政治经济学，发展出系统的辩证唯物主义和历史唯物主义世界观和方法论。但是我们如果历史和客观的看待马克思主义，他们的学术并没有对文化艺术作出系统的解释，也没有形成系统的文化美学思想，我们只能在他的论著中找到相关艺术的只言片语。不过马克思主义关于“经济基础决定上层建筑”、“艺术作为生产形式”、“阶级分析和阶级斗争的学说”和“艺术是现实主义”等等极大的鼓舞着后来的许多学者，他们历经法兰克福学派的历史兴衰，演绎出系统的新马克思主义艺术观。它成为当代西方最为强劲的艺术思潮和分析方法之一。用新马克思主义思想对凡•高自画像进行研究，主要是看凡•高的经济方面的因素如何影响他的作品和创作。这里的一段话是凡•高1888年9月17日从阿尔写给他弟弟提奥信中的摘录。

“……为了在没有模特的时候可以工作，我买了一面质量相当好的镜子。把自己脸部的颜色画出来当然不是一件容易的事，因为如果能够把这画好的话，那么我也就能够画出其他男女的脸了。”经济的贫困伴随着凡•高一生，他卖不出一件作品，也常常因为缺钱而买不起画布和颜料，更雇佣不起模特。因此对着镜子自画像成了他锤炼技法、完善个人和寻求精神超越最为有效而廉价的途径。

就画布上凡•高的穿着而言，再简单不过的粗布衣服和极普通的草帽无疑属于贫穷的下层市民，无论如何也不能与鲁本斯自画像中宫廷画师非常讲究的精致的服装相媲美。夏皮罗说：“文森特的肖像画，跟劳特累克一样，不是受人委托而画的，是艺术家的自由选择。他们不像过去的肖像画，是为模特而画，画中人有权有势、仪表堂堂，借此来褒扬被画者的社会地位和权力。恰恰相反，凡•高的画中人以其开放的社会特征与前者迥然相异。画中人大部分是最平凡的人物。”6凡 •高对着镜子画自己这种肖像画的题材和艺术家之间的巨大经济差异，也真实的反映了19世纪末艺术从记载历史走向表现真实自我的功能变化。

总的说来，凡•高的自画像艺术属于现实主义的（从色彩层面上，尽管部分有表现主义的成分。），纵观其成熟期自画像作品也真实的应证了这一点。他在给提奥的信中这样写道：“……因为我从不凭记忆画画。”7，“……没有模特儿我不能画画。”8，“我的注意力已牢牢的固定在实实在在的存在物之上，以至不可能再有愿望和勇气去追求产生于抽象习作的理想了。……我夸张，有时还改变基调；尽管如此，我并未对整幅画作虚假的捏造”9。

精神分析学方法

精神分析学是20世纪最为重要和最为艺术史家所重视的方法。弗洛伊德及其追随者们不仅把它从一种精神病理学方法扩展为普通心理学理论，而且还把它从一种医学思想发展为一种世界观、一种哲学方法。因此，精神分析学涵盖了心理学、宗教、伦理和人类学等等领域，尤其是文学艺术领域，他们认为精神分析运动对文学艺术的根本观点和方法论的影响达到的深刻程度是迄今为止所有其它方法无法比拟的。1910年弗洛伊德撰文提议，要解读达•芬奇《蒙娜丽莎》需要从艺术家孩提时代记忆的档案为基础。从此，精神分析学就引入了解读艺术作品中。

凡•高的自画像本身没有太多的故事情节和叙事内容，因此心理学家要探求它的深层内涵，必须从他的传记中寻找答案。

我们知道凡•高的出生是他父母心灵的慰藉，他取名叫文森特，一年前死于难产的哥哥也叫文森特。弟弟提奥四年后才出生，这个时候凡•高就开始有忧郁症。可能是长期的忧郁而精神受创，或是家庭遗传，或是其它等等原因造成的。“关于他的疾病真正原因不是很确定；最近的医学研究倾向于认为是“癫痫”，而非曾经认为的“精神分裂症”。在病情发作间隙，他还能画画。他最伟大的作品中的几幅就是在发病和恢复那个时期创作的。”10不管怎样说，凡•高从孩提时代就开始自我封闭和精神忧郁。青少年时代，家庭经济窘困，凡高不得不离开家门谋求合适的职业以便将来过上正常人的生活，他先后做过画商、牧师等职业，但是均被辞退。28岁才拿起画板，又因为年龄较大前景不被看好。甚至连长期给他做模特的妓女都拒绝了他一起建立家庭的愿望。1888年，凡•高主动邀请高更来阿尔一起写生，但是执拗的凡•高因为对艺术的不同理解与高更大动干戈，这可贵而“罕见”的友谊在高更的愤然离去中撕裂，凡•高也因此割下自己的耳垂以示愧疚。但撕裂的友谊无法弥合，凡•高更加孤独，可能也是他这一时期艺术最为伟大的原因。
对于凡高自画像的多样化解读，是用精神分析法走近艺术形象的典型步骤，因为我们现在已经没有时间用在“无意识”的分析上，它的表达就像做梦的要素，能够把时间顺序表面化。作为一种结果，精神分析法聚焦于主题材料也聚焦于历史的叙述，它认为这些都是相互影响的，从本质上讲，它们永远处于动态的关系中。

小结

人们总是把艺术作为自身生存意义的揭示，当这种意义处在蒙蔽中时，人们开始重新询问艺术本体和艺术存在的意义，而要抵达艺术本体的深层意义，则必须借助于全新的方法。本文试图使用几种比较重要的方法，通过分析凡•高的自画像题材以达到艺术本体的意义和解读作品的多种可能。

当然，有限的篇幅不能穷尽所有的方法，大量的有力分析美术作品的方法还未涉及，例如，传记和自传文学研究法、象征主义分析法、新批评研究法、现象学分析法、解释主义分析法、接受美学分析法等等，不胜枚举。这些都作为将来进一步的探讨。

④ 现在出名的油画自画像有那些

《戴帽子的自画像》；创作时间：1919年；卡尔·施密特·罗特鲁夫(德国）；画布油画；73.30 x 65.00 厘米。 德国表现主义艺术大师罗特鲁夫是“桥社”创始人之一，桥社的命名有连接未来的象征含义，这个创立于1905年的流派反对摹仿，主张绘画应该表现艺术家的个人情感。在所有的形式语言中，强烈而又主观的色彩成为表达情感的利器，罗特鲁夫就是桥社成员中最善于运用色彩的画家，被誉为桥社最大胆的配色师。他的色彩时而明丽鲜艳，时而阴沉冷酷，总是传递出强烈的感情色彩。 罗特鲁夫常常为自己画自画像。这幅《戴帽子的自画像》是其中比较著名的一件，画面上浓重的蓝色、绿色及褐色勾画出低沉、阴郁的氛围，粗犷的黑色轮廓线让画面更加赋予视觉冲击力，整个作品形成一种逼人的压迫感，简单的画面却散发出强烈的情绪。这幅画可能受到凡·高自画像的启发。它的姊妹篇是画家妻子的肖像，也同样表现了罗特鲁夫明快而辛辣的色彩洞察力。此外，这幅自画像大胆的线条和生硬的形状还反映了版画和非洲雕刻对他产生的重大影响。 梵高《戴帽子的自画像》 作于1887年 梵高在巴黎明朗自由的气氛中与走在时代尖端的印象派画家交流，使他的艺术结出了丰硕的成果。这幅在巴黎时期的自画像，是梵高注视着在巴黎成长的自己时，以新发现的独特技法所画的一幅杰作。与此同时，也能看出尚未习惯城市生活而非常疲劳的梵高，那种深刻忧郁的表情。 达芬奇自画像。意大利绘画大师达.芬奇的素描精品。他的素描作品的艺术水平已达极高的境地,被誉为素描艺术的典范。在这幅《自画像》中,画家观察入微,用的线条丰富多变,刚柔相济尤其善用浓密程度不同斜线表现光暗的微妙变化,此画用线生动灵活,概括性强,简单的寥寥数笔却包含许多转折,体面关系,发线代面,立体感很强,还有,人物的表情也很传神

⑤ 凡高和高更作品有什么不同,比较风格，色彩习惯，表现手法等。

西方绘画在印象派之前虽然也很强调素描和线条，但在上色之后，线条就被遮盖住的。达·芬奇首创的晕涂法，就是力图在两块不同颜色的衔接处表现出“渐变”的效果，从而避免产生锐利的线条感。但自从印象派彻底否定了素描和线条之后，更新一代的画家们却走向印象派的对立面。他们越来越受到日本浮世绘的影响，从而赋予了线条以独立的地位。所谓的“景泰蓝画法”，即先用黑线条构出一个个封闭的轮廓，然后在各轮廓里平涂上颜色。高更的这幅《布列塔尼的猪倌》，尝试的就是这样一种画法。虽然有些地方仍可看出属于印象派的小笔触，但主要的色块都是勾着黑边的，而且色块里的颜色都是平涂的。这两点，是对印象派理念的根本背弃。
可以想见的是，如果是先勾轮廓然后再平涂颜色，那一幅画就只是由几个不同颜色的平面组成而已。那么，怎么才能表现出纵向的立体感呢？以前的画家们表现立体感，是一定要借助“远小近大”的透视法和明暗对比的。可这一切又与 “像小孩子一样画画”的简化形状的宗旨相违。为了解决这个难题，高更在此又“借鉴”了塞尚。塞尚的探索就是要抛弃明暗对比，力求只通过色块的对比来赋予平面以“深度”，从而表达立体感。在这幅《雅格与天使搏斗》中，高更也是这样做的。白色的帽子、红色的土地和天使黄色的翅膀，形成鲜明的对比。一棵倾斜的树干将画面一分为二，也有助于产生前和后的错觉。前面是真实的世界，后面是农妇们听完布道后所产生的幻象。这幻象比例不准，而且没有阴影。高更就是想借此表达出宗教的神秘和象征意义。好笑的是，高更本来是把这幅画作为礼物送给当地教堂的。但牧师看了之后却拒绝了，认为这是一个恶意的玩笑。
于是，眼睛看到的真实颜色就完全无关紧要了。在高更看来，选用颜色的时候只有两点值得考虑。一是这种颜色的象征意义；二是它与邻近颜色所产生的对比效果是否能产生“平面深度”的感觉。后一种尝试正是源于塞尚的思想，这也正是塞尚把高更称为“骗子和小偷”的原因。

由上我们可以看出，除了性格和宗教背景的差异之外，凡高和高更在对绘画的理解上也有着本质的不同。凡高对客观的真实十分注重，只是在这个基础上做必要的夸张，以达到“表现自我”的目的；而高更对客观真实却毫不在意。他极力简化形状，以赋予作品暗示性和象征性。他追求的是让观者产生联想。在笔触上，凡高用各种各样的小笔触----点、小直线、特有的旋涡笔触；而高更却是大面积的平涂。在用色上，凡高十分注重补色原理，经常把互补的笔触并列在一起，使其“彼此渗透以产生神秘的色调颤动”。而高更用色的时候则只考虑其象征意义，以及颜色对比所可能产生出的空间感。这两幅自画像，便很好地体现出两人技术上的差异。

⑥ 分析梵高的<自画像>凡高在法国阿尔时的一张自画像

应该是割耳后的自画像这副著名的自画像吧。

这幅画绘于割下耳朵以后的一个多月之后，其间，他在阿尔犯过几次病，但在此作画期间，他的心情确实十分平静的，几乎有一个月沉默不语。当时因为他在阿尔的放肆，使城内居民大为恼怒，有八十多个市民联名上告，要求市长把凡高关起来。警方却对这位画家表示了友好，没有对他采取任何措施，可是他仍感到了不自由。他在给提奥的信中说，与其如此，不如死了的好。他也曾想到外籍军团去当兵，以摆脱此种困境。1889年5月，提奥再把他送往巴黎附近的圣雷米疯人院疗养。 凡高在圣雷米疯人院住院期间，经常在犯病后立即作画。每当病情发作之后，有一段平静的精神状态，他之狂热的作画不辍，是已预感到自己的生命有限，可他并不害怕死。他看到了提奥家庭收入的日益紧缩，而自己的疯病又越来越严重，发作的次数也在增加。他在一次给提奥的信中说：“我把钱还给你吧，我现在就去寻找自己的归宿。”1890年7月27日，凡高借口去打鸟，从别人那里搞到了一把左轮枪，到野外靠在一棵树上，把枪口对准前胸自杀了。 生前那些在狂病发作以后完成的作品，可以说注入了画家内心最夺人心魄的激情。他把一个备受疾病折磨的人的生命赋予了画中的树、麦田、云天、星空、柏树。赋予了画上的一切。因此，那不再是色彩的组合，而是一个如饥似渴的在用绘画表达自己内在精神状态的形象记录，是伟大的心灵的艺术！这是第一幅展现凡高在阿尔的精神状态的自画像。作为这位画家的形象见证，它是最确切不过的写实作品。他在绘画中所吐露的悲怆、激情和悲观情绪，正是当初西方艺术为之共鸣的思想内涵。就《割掉耳朵的自画像》来看，凡高的一对炯炯有神的眼睛是那样的锐利。他饱经风霜，接受了人生旅途的种种考验，当然，他也是一个失败者。
值得注意的是,凡·高在掏受苦难的画家的形象,考虑到他的病史,这是不难理解的。这幅自画像是凡·高在自己割下左耳后不久创作,尽管从画面上看其伤势严重而显著,可是这幅自画像却没有受苦难的画家的迹象。6个月前,凡·高曾把自己描绘为牧师或者僧人,而在这幅作品中,他恢复了更为平实的身份。他穿着工人的上衣、戴着皮帽子,看不出精神错乱或痛苦的痕迹,即便遭受着身心痛苦的折磨,他也是表现得不以为意,还从容地吸着烟斗。然而画面却度溢着紧张的气氛。帽子上一簇簇的深青色毛直立着,被桔红色的背景衬托得格外醒目,似乎象征着充沛的精力。背景以靠得很近的两只眼为轴线分为桔红和鲜红上下两色,因而也反画面和物分成了上下两部分。在这条轴线下面,鲜红的背景、绿色的上衣、包伤的绷带配在一起显得十分刺眼。其效果是造成了种独特的矛盾,这是作者有意运用的一种视觉矛盾手法,表现出一个沉思的受伤男人为抵御发烧而把自己紧紧地裹在皮帽和衣服里。
虽然幅自画像似乎完全是一幅传记式作品,可是它所表现的却并不仅仅是画中人的"创伤",还表现了两位画家之间"十分激烈"的争论(L564),即凡·高和高更之间对画家的地位、绘画的方法以及象征的风格等方面争论。将它与1889年高更的一幅象征主义"自画像"进行一下比较,问题就会显得更清楚。在高更那幅自画像里,不但有抽象的彩色平面和曲折盘绕的线条,还有人们所熟悉的有象征意义的饰物——苹果、百合花、毒蛇、光环,所有这些便将画家定位为多愁善感的人,他头上披着头罩似的黑发,头顶悬着光环,象征着人物徘徊于善恶之间。高更的这幅作品在风格既有激进的色彩又有传统的痕迹。如果说乍看之下的印象来自画面装饰性的构图,我们最终还是可以辩认出其象征意义。但是凡·高在他这幅自画像里则是把有象征意义的色彩和构图与自然肖像画法结合起来,实践了传统风格新探索的合成。不过,这幅作品的生动性深刻含义并非来自善与恶等象征性的表现手段,而是来自衬托受伤者漠然平静神态的热烈色彩和气氛紧张的构图。

⑦ 说一说梵高《戴草帽的自画像》表现形式是什么

与中产阶级形象混在一起的还有另一个梵高。在9幅自画像中,他穿着无领衬或罩衫,有的还戴着宽边草帽,这样的装束是有其用意的,他可能是在装扮成工匠、工人或者农民。到底是不是工匠、工人或农民,从画面上并不能明确地判断,尽管明艳的黄色和蓝色的色彩设计暗示着室外或乡间的背景。这样的服装倒是适合梵高这样的画家,因为他钟情于郊区或农村题材,而且这也是他在纽南画农民时描绘过的装束。同时这也足以让埃米尔·贝尔纳领略梵高乡间装束的模样,因为1891年贝尔纳在《法国的墨丘利》一文中回忆梵高时曾参照他的自画像描摹过他装扮成农民的样子;这还进一步说明了梵高从本性上对农村生活的向往。虽然服装的风格从中产阶级的式样变成了农民的式样,但是人物的面部表情却仍然凶猛;同一个人兼有中产阶级和工人的身份,游移在城市与乡村之间,就好像只是改变一下调色板、换一下衣服的问题。梵高自画像作品中这种不同身份的混合暗示着他有意表现的一种姿态,也是他想利用艺术创作中刻意选择的角度变化来调和阶级的差别。在梵高海牙人物画中我们曾见到过这种阶级角色的变换,当时梵高声称自己热爱工人阶级生活,可是西恩却不像他那样愿意迈过阶级的界线,于是梵高便茫然不知所措了。诚然,他这种做法中并没有多少感情因素,可是却也表现了一种乌托邦式的愿望,即至少从文化上不要表现城市与农村的分界,画家可以随意变换位置。在自画像中,画家毫无顾忌地或戴毡帽或戴草帽,就表明了画家的这种追求。

⑧ 是谁逼疯了庞麦郎，并假惺惺给他戴上一顶“中国版梵高”的帽子

网上忽然传播一条视频，一个名叫白晓、自称庞麦郎经纪人的男子，给大家发布了一个不好的音讯，知名原创音乐人约瑟翰·庞麦郎先生，因肉体团结无法控制本人的身体，被强迫送进了肉体病院。

经纪人在发布这个音讯时，语气十分的繁重，作为伙伴协作了6年的同伴、可能最理解庞麦郎的一个人，他是这样评价对方的：他是饱受肉体疾病的折磨，却还在坚持创作、坚持本人酷爱的一个艺术家…我觉得到他就是中国版的梵高…庞麦郎先生是一个具有传奇颜色的人物，他的故事比《堂吉诃德》还要魔幻……

经纪人后面还说到了“网络暴力”：网络暴力让我明白了人性的恶，就像一堵厚厚的墙，它困住了一个人，但我置信太阳终会呈现，谬误也会辨认出谎话……

这位经纪人的发言，似乎在讲述着一位巨大的艺术家，一位万众敬重的传奇人物！而且，这位巨大艺术家被送进肉体病院，还是源于广阔网友的网络暴力。

不瞒你说，我在听到经纪人道貌岸然地说出“艺术家”“中国版梵高”“传奇颜色的人物”“比《堂吉诃德》还要魔幻”等词语时，我真实没忍住嘴角上扬了。对不起庞麦郎先生，我真的没有不敬的意义，我很同情你的遭遇，只是这位经纪人发言的迷惑水平真实超出了我的了解范围，毕竟我只是俗人一个。但从这层意义来讲，可能庞麦郎真的算是现代版梵高呢，一样的肉体疾病，一样的不被世人了解……

反正庞麦郎是完整推翻了一个歌手的概念，明明是一个“小丑”的角色，却硬生生被经纪团队洗脑成歌星，以至还学会了营造虚假人设，说本人是90后，说本人是在台湾省长大的，不供认家乡的父母双亲……

固然这些年庞麦郎早分开了群众视野，但中国这么大，商演时机那么多，凭着那点滑板鞋的热度，还是能赚到钱的。听说一场也能有1-2万的出场费。假如没有这点利益，经纪人跟他6年图什么？他还说有次差点被发病的庞麦郎给伤了性命。

经纪人在视频中还说，早就料到他会有不得不被送进肉体病院的一天，但没想到这一天来得这么快，比料想中提早了3-5年。

听听，这场猴戏原本他们还想耍三五年的，没想提早完毕了。庞麦郎曾经没有应用价值了，只能关到里面去了。送进去后，还封他为“中国版梵高”，把他这段荒唐的阅历说成传奇故事，比堂吉诃德还魔幻……他们这样天花乱坠地说是出于什么动机？除了为本人开脱义务，我想不到其他缘由。

除非100年后，庞麦郎真的被后人奉为最具传奇颜色的巨大艺术家，《我的滑板鞋》被奉为数百年难遇的传世杰作，那我真心信服这位经纪人特殊的目光。

⑨ 戴帽子的自画像的梵高作品

梵高《戴帽子的自画像》 作于1887年梵高在巴黎明朗自由的气氛中与走在时代尖端的印象派画家交流，使他的艺术结出了丰硕的成果。这幅在巴黎时期的自画像，是梵高注视着在巴黎成长的自己时，以新发现的独特技法所画的一幅杰作。与此同时，也能看出尚未习惯城市生活而非常疲劳的梵高，那种深刻忧郁的表情。

⑩ 简要介绍下梵高的励志故事

梵高生前不被人理解，直到他死后，他的作品和才华才真正为人所知。世人才真正知道一副《向日葵》倾注了他的多少热情和希望。形成极大对比的是他生前只卖出了一副画，而死后却是追随者无数，听起来令人讽刺。

艺术家，很少有精神比较正常的，当然，梵高也不例外。说到梵高，人们不仅会想起他的画作的超凡表现力，同时也会想到他怪异、疯癫的性格。梵高的作品中包含着深刻的悲剧意识，强烈的个性和形式上的独特追求，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动。但也由于他的作品色彩太过强烈、色调过于明亮，而因此很难被世人接受。

癫狂的他，创作的作品当然也是癫狂的，他的画作及其抽象，以至于直到他死后，人们才开始关注这位绘画艺术界的天才，才发现他画作中表现出的强烈的内心情感和意识。梵高的故事十分励志，尽管精神已经失常，但却是一位真正具有使命感的艺术家，在谈到他的创作时，他这样总结道：“为了它，我拿自己的生命去冒险;由于它，我的理智有一半崩溃了;不过这都没关系……”。梵高很晚才成为一个极具个性化的画家而崭露头角，他的励志故事让我们明白即使刚开始世人无法理解，只要我们专注于自己的梦想，专注于自己所爱，终有一天世人会理解。

拓展资料

文森特·威廉·梵·高（Vincent Willem van Gogh，1853—1890），荷兰后印象派画家。代表作有《星月夜》、自画像系列、向日葵系列等。

梵高出生于1853年3月3 0日荷兰乡村津德尔特的一个新教牧师家庭，早年的他做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士最后他投身于绘画。他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品，视野的扩展使其画风巨变，他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。1888年，来到法国南部小镇阿尔，已经摆脱印象派及新印象派的影响，走到了与之背道而驰的境地。

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