欧洲古典女式系绳帽子

㈠ 唐朝女子服饰对和服的影响

吴服（ごふく）一字的产生，是源於中国三国时期，东吴与日本的商贸活动将纺织品及衣服缝制方法经传入日本的缘故。在更加精确的层面上，吴服一词是专指以丝绸为面料的高级和服，而用棉布做的和服会用「太物」来称呼。昔日吴服与和服两种概念是分别的（因贵族所穿的和服样式大多不是源自东吴而是源於唐朝，而该类服装以前亦被称为「唐服」），但今天这两种概念已几乎重叠。现在很多卖和服的商店，招牌上会写着「吴服屋」（呉服屋），可见两词已经基本上同义化。
今天日本服装主要分为现代服装“洋服”，即从欧洲传来的样式，和传统服装。和服最早期因中日文化交流而深受古代中国的汉服影响，尤其是日本历史上的古坟时代（相当於中国晋朝及南北朝时期）。但到了平安时代（相当於唐末宋初），由於中日因双方内外条件变化而暂时中断交流，日本文化进入了一个高度本土化发展的时期（也是一段自我孤立时期），和服的构造也因而更具有其本地色彩。
日本平民和服受东吴传来的编制缝纫风格影响较深，故称为“吴服”。而贵族的服装则受之后的唐朝影响更深，称为“唐服”。从镰仓时代起贵族和武士逐渐开始在家里穿着吴服，从室町时代开始上层贵族也开始穿着吴服。江户时代起吴服的样式和今天的和服已相差无几。今天，平民在节日、庆典上多穿着吴服，即一般意义上的和服，而皇族礼服仍以唐服为主，偶尔穿着吴服，礼服中最华丽的是十二单。
[编辑本段]和服的特征
和服属于平面裁剪，几乎全部由直线构成，即以直线创造和服的美感。和服裁剪几乎没有曲线，只是在领窝处开有一个20厘米的口子，上领时将多余的部分叠在一起。如将和服拆开，人们可以看到，用以制作和服的面料，仍然是一个完整的长方形。由于和服的裁剪制作具有上述特点，所以在量体裁衣方面比较自由。在制作和服时，较少为人的体型所左右，高矮胖瘦不同的人，即使穿着同一尺寸的和服，也很少给人以衣不合体的印象。因为，它可以因人而异，在腰间调节尺寸。和服虽然基本上由直线构成，穿插在身上呈直筒形，缺少对人体曲线的显示，但它却能显示庄重、安稳、宁静，符合日本人的气质。不仅如此，和服同时也顺应日本的自然；日本绝大部分地区温暖湿润，因此服装的通气性十分重要。由于和服比较宽松，衣服上的透气孔有8个之多，且和服的袖、襟、裾均能自由开合，所以十分适合日本的风土气候。
[编辑本段]和服的定义
和服种类繁多，无论花色、质地和式样，千余年来变化万千。不仅在男女间有明显的差别（男式和服色彩比较单调，偏重黑色，款式较少，腰带细，附属品简单，穿着方便；女式和服色彩缤纷艳丽，腰带很宽，而且种类、款式多样，还有许多附属品），而且依据场合与时间的不同，人们也会穿不同的和服出现，以示慎重（女式和服有婚礼和服、成人式和服、晚礼和服、宴礼和服及一般礼服）。和服本身的织染和刺绣，还有穿着时的繁冗规矩（穿和服时讲究穿木屐、布袜，还要根据和服的种类，梳理不同的发型）使它俨然成了一种艺术品。设计师不断在花色和质地上推陈出新，将各种大胆的设计运用在花色上，使现代印象巧妙地融入了古典形式之中。
江户时代以前，和服的“浴”字是指“热水”，那时候人们把和服称作“汤帷子（Yukatabira）”。帷子指单衣，即用于单穿的衣物。古时的浴室基本上都是蒸气式的，和现在的桑拿很相似。人们为了防止被墙壁和柱子烫伤，都穿着汤帷子入浴。汤帷子被称为“和服”始于江户时代。
后来，人们逐渐改变了入浴的形式，洗浴时不再穿衣，而是浸泡在热水中。于是，这种和服便成为洗浴完毕后穿着的简单衣物，并作为夏季休闲体现个人情趣的衣物延续至今。从价格上来说它和真正出席宴会的和服相差很大，一般在10万日币左右，而一般的和服则至少要100万。
最初的日本服装是被称国“贯头衣”的女装和被称为“横幅”的男装。所谓“贯头衣”，就是在布上挖一个洞，从头上套下来，然后用带子系住垂在两腋下的布，再配上类似于裙子的下装，其做法相当原始，但相当实用。
所谓的“横幅”，就是将未经裁剪的布围在身上，露出右肩，如同和尚披的袈裟。
日本的和服，就是以此为基础逐渐演经而成的。在日本出土的公元素至7世纪的古墓的人偶埴轮上，已经有了各种和服的形象资料。
公元8世纪，中国唐代服装传入日本，对日本的和服产生了很大影响。当时和服的名称，如"唐草"、"唐花"、"唐锦"等。"贯头衣"、"横幅"以及后来的"和服"，受到了东南亚的中国唐代服装的影响。
各种和服在款式和穿着方式上有"大同"，也有"小异"，正是这些"小异"，具有服装的一项重要功能：显示身份、年龄、所属的社会阶层。以女性的和服为例，这种"小异"主要表现在袖子上。和服的袖子大致分为"黑留袖"、"色留袖"、"本振袖"、"中振袖"，等等。
1."留袖"，即袖子相对较短。
2."黑留袖"和服往往点缀有精致的花纹，它是中年妇女的礼服，一般在比较隆重、庄严的场合，如婚礼、宴会时穿着。
3."色留袖"是有各种颜色的和服，穿着者比穿"黑留袖"的人年轻，也是隆重场合时穿着的礼服。
4."振袖"是未婚的日本青年妇女的传统服装，比较豪华，一般只在庆贺典礼、毕业，以及新年时穿着（今天，即使在这种时候也很少有人穿着这种和服）。"振袖"就是长袖，往往长达1米左右，垂至脚踝。
5.另外，还有一种被称为"色无地"的和服，在平时穿着。"色无地"没有花纹图案，但有颜色。
通气，是和服的一大优点和特征，因此和服的袖口、衣襟、衣裾均能自由开合。不过，这种开合，尤其是衣襟的开合，有许多讲究。不同的开合，具有不同的含义，显示穿着者不同的身份。例如，艺人在穿着和服时，衣襟是始终敞开的，仅在衣襟的"V"字型交叉处系上带子。这种穿着方式，不仅给人以一种和服似脱而未脱的感觉，显示一种含蓄的美，而且能显示从事该职业的妇女的身份。反之，如果不是从事该职业的妇女在穿着和服时，则须将衣襟合拢。但即使是合拢衫襟，其程度也有讲究，并以此显示穿着者的婚姻状况：如果是已婚的妇女，那么衣襟不必全部合拢，可以将靠颈部的地方敞开。但如果是未婚的姑娘，则须将衣襟全部合拢。事实上，和服的穿着有着如此之多的讲究，以至在日本有着专门教人如何穿着和服的"教室"。
[编辑本段]和服的构造
1.挂衿（かけえり）、共衿（ともえり）
2.本衿（ほんえり）、地衿（じえり）
3.右の前身顷（まえみごろ）
4.左の前身顷
5.袖（そで）
6.袂（たもと）
7.左の衽（おくみ）
8.右の衽
9.剣先（けんさき）
10.身丈（みたけ）
11.裄丈（ゆきたけ）
12.肩幅（かたはば）
13.袖幅（そではば）
14.袖丈（そでたけ）
15.袖口（そでぐち）
16.袖付（そでつけ）
[编辑本段]和服的历史
传说中日本神治时代有位依邪那歧命神，他在举行祓除（用斋戒沐浴等方法初灾求福）之事时，常常脱去上衣、袴、带，裸露身体。据后人考证，传说中描述的神治时代相当于日本的原始社会时期，那个时代日本人生活的遗址现已发现数千处，其分布区域，北起北海道，南至九州，几乎遍布全日本。原始社会的日本人以群体方式过着迁徙不定的生活，主要的生产活动是狩猎和采集（不要总是想到帝国时代去）。也许就是在那个时代，日本人开始了用动物的皮毛或者树叶加工御寒，走出了裸露的时代。 在绳文式文化时代后期（日本新石器时代，相当于前800-前500年）和弥生式文化时代（日本使用弥生式陶器的时代，相当于前300-300年），日本出现了两种基本的服装式样。一种是套头式圆领衫，造型类似于今天的圆领针织套衫；另一种是对襟式，门襟采用左衽，领尖至腰间，等距两初用细绳系结扣接，袖子为筒形袖，长度在膝以上。与上衣配套的还有袴、领巾、于须比。袴原指穿在下身遮掩于上衣内的一种裆布，但是这里的袴是指有腿部连接的类似于裤子的下装。男子有一种称为裳的缠腰，缠腰绕系于上衣，由于系结出现褶裥，使服装产生了一些变化。女子大都穿裳，与男子不同的是，女子裳长及地，形式与今天朝鲜妇女裙"其玛"颇为相似。
领巾一般作为装饰搭挂在两肩，搭挂的形式不限，通常是又个人的爱好决定的。在生产劳动中领巾还时常被用作挽系长袖的带子，或者作替代包袱布之用。在别离的场合，人们挥动着领巾，以示依依不舍的心情，它与后来明治时代流行的以挥舞手帕表示告别的作用是一样的。于须比是一种比领巾大且长的一种带状织物，蒙在头晌垂绕至腰间。古代日本妇女忌讳被男子窥容，所以用于须比蒙面。
据《古事记》、《日本书纪》、《植轮图集》、《古语拾遗》等文献记载，日本绳文式文化时代后期和弥生式文化时代的服装已经采用楮布、麻布、棉粗布、藤布、科布等植物纤维材料制作，带子是选用倭文布。服装材料的出现笼罩着神话的光晕，如天日鹫神裁楮织布、日长白羽神自创麻布以利民用。
染色在当时已经比较普遍，据《应神记》载景行天皇时，平民已经知道用茜草染红、靛蓝染青、荩草染黄、橡果染果黑、紫根染紫。染织品大多无纹，偶有一些印纹，一般都是直接利用树叶花草擦印完成的。所用的植物有月草、燕子草、榛、山蓝、忍冬等。
1.奈良时代：日本上古时代的粗布服装，窄袖斜襟，与古代中国穿着十分相似。但是，真正有文字记载，将中国服饰引进日本，并使之制度化的，应该是从奈良时代开始。日本的奈良时代正值中国盛唐时期。日本派出大批学者、僧侣到中国学习。这些遣唐使者把唐代文化艺术、律令制度都带回了日本――"衣服令"就是奈良时代模仿唐代制定的制度之一。"衣服令"规定了礼服、朝服和制服――朝服包括冠帽，按官职等级区分；制服是无官职的公务人员的服装，按行业分类。总体而言，奈良时代的服装色彩还是较为简单的。 平安时代：到了平安时代(九世纪以后)，由于国风的盛行，日本和服渐渐摆脱外来的影响，发展出独有的奢美与精致的特色，其衣服色彩开始多样化，衣袖也向宽大方向发展。举个例子，熟悉日本史的人一定听过"唐衣"和"十二单"。唐衣是盛装（礼服）的一种，以紫、绯为贵，金碧辉煌，美丽异常。十二单实际是一种穿着方式，她并不是十二层单衣，而是在单衣上叠十二层被称为圭的服装，圭轻薄透明，多层圭叠起时仍然能隐约看见单衣或表着的颜色，倍添朦胧恍惚的美感。从这里也可略窥日本人的审美观，既喜欢抽象化的美，又喜欢真实细致地反映自然世界的美感。
2.镰仓时代：由于过度腐化，穷奢极欲，公卿统治终于衰退。镰仓时期，相对精干、简易的武家文化出现，这一时代特征也反映在服装上。当时，元朝统一中国，并连续十次侵犯日本：日本人为了便于战争，服装又回复朴素，宽袖又变回窄袖。
3.室町时代：室町时代，在衣服上印上家纹（古代日本按姓氏每家都有家纹，估计家纹数目超过二万种），便服设计开始礼服化。直垂和侍乌帽子是时髦的男装，普及很广。而女装则更朝简单化发展。
4.桃山时代：织田信长的安土、桃山时期(十六世纪中叶)，人们开始讲究不同场所穿着不同服式，于是出现了参加婚宴、茶会时穿的"访问装"和参加各种庆典、成人节、宴会、相亲时穿的"留袖装"。女子流行穿着小袖：虽然美丽，但比起唐衣之类，还是简陋。这一时期，带有鲜明民间性的"能乐"逐渐成型，绮丽豪华的"能"装束出现。此时，公卿的服装没有大的改变，基本是平安时代宫廷服装的延续，而公卿与武家的最终融合是在明治时期，那是后话。
5.江户时代：江户时代是日本服装史上最繁盛时期，其时，男装、女装虽有变化，（如女装的小袖形状变得接近现代，而男装流行羽织<以黑五纹为正装，茶、黄次之>，带结开始流行。）但是，基本格局已定，到了明治时代，现在意义上的和服就定型了，此后一直没有太大变化。我们现在今看到的和服大都是沿续了江户时代服装特式。
[编辑本段]和服的美术
日本的绘画史一直是与中国的美术史同步的，特别是在中国唐代的时候，佛教艺术传人中国及日本，无论是寺庙中的壁画塑像还是生活中的肖像画，两个国家都有相似之处。
真正反映日本和服的绘画作品主要是日本的风俗画。日本的 风俗画兴起于室盯时代(1392-1573年)，相当于中国的明代。 当时有许多中国的风俗画传入日本，如反映中国古代劳动人民生 产过程的《耕织图》，被日本画家作为一种模式来效仿，以致日本 也出现了许多版本的《耕织图入有狞野永纳本，也有和歌山县高 野山遍照尊院的彩绘屏风《织图》等。但日本风俗画的真正兴起是在江户时代，当时虽然有一派古典画派专以传统物语为绘画题材，如源氏物语、净琉璃物语等都相继出现于当时皇宫贵族的屏风上，这种传统题材一般用传统的绘画手法来表现。画中人物穿着的都是当时宫中的华丽衣服，造型风格有些类似有职雏人形。 但当时更多的是同时绘于这些屏风上的风俗画，这是江户初期 (16世纪初)的一大特色，其绘画中心在京都，当时正值广仁文明之乱之后，京都的经济正在复兴，作为复苏象征的明广九年的 园祭活动也在京都一年一度地举行，正因为如此，一系列的屏风图大量出现，如狞野永德的《洛中格外图》，此图有三种版本，盯田本、历博乙本、上杉本，此外还有藏于东京国立博物馆的《洛中风俗图》屏风(17世纪前半)、静嘉堂文库的《四条河原游图》屏风，这些屏风的题材颇有些类似于唐代的游春图，但人物更为众多，场面更为宏大，其中突出的是歌舞伎的内容。如四条 河原和六条柳叮。前者是歌舞伎兴起的中心地，后者是游女歌舞 伎云集的地方。开创于庆长八年(1603年)的北野社头歌舞伎在一夜之间流行起来。庆长末年在四条河原常设舞台，供六条柳町游女们来表演，当时有大量的文字记载了这一风俗，当地成为京都的文化中心地。从中可以看出当时和服的穿着情况。
但是，歌舞伎的盛况为当政者所反感，宽永十六年政府下令禁止歌舞伎，所以在宽永年间大量增加的是室内游乐图。
到江户中期，与风俗画相对应的是桃山时期的浮世绘，浮世绘是从室内游乐图中抽出单独的一个美人进行描绘，这种形式在宽文时代特别流行，因此称为宽文美人图， 其中的《八千代大夫图》是特别优秀的作品。
17世纪中叶，在江户的出版物中出现了版画插图，绘制这些插图的称为板下绘师，大多都是无名的绘师，其中脱颖而出的是菱川师宣(-1694年)，师宣曾担任进原西鹤《好色一代男》江户版的插图作者，其中的每一幅插图都能独立欣赏。师宣是一枚绘的创始人，他所作的《见返美人图》中的美人身穿红色小团花地的刺绣大团花图案的和服，美人回首，巧笑倩兮，极为动人。
明和二年(1765年)开始流行以俳人为中心的绘画。用豪华的多色摺招版画来制作，其中优秀的作者是铃木春信(1725-1770年)，其版画有如锦之美，故称锦绘，其所绘美人尤以柳腰为美，风靡一时。春信以后的美人画代表有胜川春章、鸟居清长等，但最为有名的浮世绘大家则数喜多川歌磨(1753-1806年)，其画大多是半 身绘或大首绘，如《妇人相学十躯》等。此后有许多反映蚕桑或纺织生产的风俗画也用了这种浮世绘的风格，画中的女性穿的则是下层劳动妇女的和服。
日本到现代还有美人画这一专门画派，所画大多都是穿和服的日本妇女。
从明治三十年开始，日本的画家开始创造了新的美人画法， 大约可以分成三个流派，一是从浮世绘中脱胎而出的近代美人画派，以关东镝木清方为代表；二是以贵妇和上流社会的太太们为主的美人画，以圆山四条为代，其中上衬松园的作品中有着成群的穿和服的日本太太，丰姿绰约，脸庞丰润，所描绘的和服制作方法也十分清楚，是绞缬还是友禅，都能分清；三是东西合璧的美人画，以西洋画的风格来描绘穿着和服的日本妇女。
上述与和服有关的美术作品。不但保存了历史上不同时期的和服的色彩、面料、图案、款式和配饰，还反映了和服的穿着方法，以及穿了和服的日本人的举手投足的千姿百态。此外，这些作品事实上是艺术家眼中的和服，流露了艺术家及其同时代人对和服的态度和感情。
[编辑本段]和服的种类
和服的种类很多，不仅有男女和服之分，未婚，已婚之分，而且有便服和礼服之分。男式和服款式少，色彩较单调，多深色，腰带细，穿戴也方便。 女性和服款式多样， 色彩艳丽，腰带宽，不同的和服腰带的结法也不同，还要配不同的发型。已婚妇女多穿"留袖"和服，未婚小姐多穿"振袖"和服。此外，根据拜访、游玩和购物等外出的目的不同，穿着和服的图样、颜色、样式等也有所差异。
1.留袖和服：女性参加亲戚的婚礼和正式的仪式，典礼等时穿的礼服，主要分为黑留袖和色留袖。以黑色为底色，染有五个花纹，在和服前身下摆两端印有图案的，叫"黑留袖"，为已婚妇女使用；在其他颜色的面料上印有三个或一个花纹，且下摆有图案的，叫"色留袖"。第一张 图片为黑留袖
2.振袖和服：又称长袖礼服，是小姐们的第一礼服，根据袖子长度又分为"大振袖"，"中振袖"和"小振袖"，其中穿得最多的是"中振袖"。主要用于成人仪式、毕业典礼、宴会、晚会、访友等场合。 因为这种和服给人一种时尚的感觉，所以已婚妇女穿"中振袖"的也越来越多。

3.访问和服：是整体染上图案的和服，它从下摆，左前袖，左肩到领子展开后是一幅图画，近年来，作为最流行的简易礼装，访问和服大受欢迎。开学仪式，朋友的宴会，晚会，茶会等场合都可以穿，并且没有年龄和婚否的限制。
4.小纹和服：衣服上染有碎小花纹。因为很适合用于练习穿着，所以一般作为日常的时髦服装，在约会和外出购物的场合，常常可以看到。小纹和服也是年青女性用于半正式晚会的礼服。

5.丧服：连腰带在内全部为黑色，丧礼时穿。
6.婚服：结婚时穿的礼服。

7.浴衣：沐浴之前所穿。夏季和服。
8.男式和服：男子和服以染有花纹的外褂和裙为正式礼装。除了黑色以外其它染有花纹的外褂和裙子也只作为简易礼装，可以随便进行服装搭配。
9.素色和服：这是一种单色和服（除黑色以外），如果染有花纹可以作礼服，如果没有花纹则作日常时装服。
10."付下"和服：袖子，前后身，领子的图案全是自下而上的方向印染的和服总称。比访问和服更轻便舒适。
11.十二单：乃是古代妇女进宫或节会时所穿的盛装礼服。分为唐衣、单衣、表著等，共十二层

以下是和服的细分种类
振袖 留袖 访问着 付け下げ 小纹（こもん） 色无地 紬（つむぎ） ウール着物 アンサンブル着物 浴衣（ゆかた） 羽织（はおり） 道行コート（みちゆきこーと） 被布（ひふ） 袴（はかま） 打挂（うちかけ） 直垂（ひたたれ） 大纹（だいもん） 素袄（すおう） 裃（かみしも） 平安装束 束帯（そくたい） 直衣（のうし） 狩衣（かりぎぬ） 十二単（じゅうにひとえ） 袿（うちき） 细长（ほそなが） 割烹着（かっぽうぎ） もんぺ 甚平（じんべい） 作务衣（さむえ） 丹前（たんぜん）
附带品
和伞 头巾 ショール 襦袢 ステテコ 半衿 帯 丸帯 袋帯 名古屋帯 半幅帯 角帯 兵児帯（へこおび） 帯扬げ 帯板（おびいた） 帯缔め 帯留 根付 簪（かんざし） 栉（くし） 羽织ひも 扇子 ハンドバッグ 雪駄（せった） 下駄 草履 足袋 手甲 脚绊（きゃはん） 褌（ふんどし） 汤文字（ゆもじ） 畳纸（たとうがみ） 懐纸
[编辑本段]和服的穿法
基本穿法
首先第一步是穿上足袋（袜子），然后按顺序整齐穿上，带子不能系得太紧。
1． 披上和服，把内衬衣的袖子套进和服袖里。把和服的背缝调整到后背中心，然后用夹子把衬衣与和服的领子固定。
2． 用手提起领子并调整下摆的长度，以不接触到地面的长度为止。
3． 打开和服把前领放到腰骨的位置，决定正面的幅宽。和服边缘与身体侧边对齐为宜。
4． 决定幅宽后，慢慢把正面打开，接着把底面合身定宽，然后把右手所拿着的领子下部提高10公分，使下摆线程倾状
5． 重复正面，把左手所拿的领子下部分提高5公分，注意不要错位。腰间出现后皱褶往上调整。
6． 在腰间系上第一根细绳。带子从身体正面往向系，在背中交差后线回到前面打结。
7． 把腰间的皱折拉平。手从和服袖裉下的开衩处伸进去检查和服是否被带子夹住，弄平背后多余的部分。
8． 同样把胸前多余的部分平整好，把皱折拉到腋下，两手抓住两袖边，轻轻拉袖口。
9． 检查两领子是否整齐交差好，如有错位，把手从袖裉下的开衩口伸进去调整。领口开衩不能太在也不能太小。
10． 在胸下系上第二根细绳，多余的部分一定要拉整齐，正面重复的部分程水平状。
11． 端正腰身，在胸前系上一条叫"伊达"的小带子，因为小带子有伸缩性，注意不要系得太紧。
12． 检查胸前和后背是否有折和松懈，有的话，往腋下这边拉平整。 整体完成后用大镜子检查是否有差错，然后摘下领上的夹子。
带子的系法
如果是你一个人系带的话，可以在胸前打结，然后右手拿着结子，左手拿住后背的下侧，从右方向把结转到背后。
1． 把腰带宽上下对折，贴在腰上，取好打结眼的长度，结眼长以20公分为宜。
2． 把打结眼的部份挂在肩上，剩下的部份严整地围腰两圈。
3． 围腰两圈后剩下的带子对折后与挂在肩上的一端打结。
4． 两脚稍分使身体稳定，然后用力勒紧带子。
5． 拿起打结眼的部分叠成三折。
6． 用一条绳子绕两肩一圈系好，用夹子把结眼部份固定在绳子上。
7． 把结翅部份的皱折拉平整。
8． 结翅的长度与两肩同宽，正面朝上卷好。
9． 拿起结翅，在带子衬垫上放入带枕后卷好。
10． 把结翅叠成漂亮的褶，贴在后背上。
11． 把结翅打开整理漂亮。 完成后再做一次检查调整好结翅的角度。
和服穿着注意事项
和服着装时需要注意的是和服的左襟和右襟的盖法是有讲究的，一般来说，穿时右襟领贴胸口，左襟领再盖在右襟领上，此穿法称为“右前”；反之则为“左前”。和服穿法，生人是“右前”即左搭右(襟领)，由于日本人认为，死后的世界与生前相反，因此死者的穿法是“左前”即右搭左。“右前”穿法，有一说是受到中国古代服装影响，也有一说是日本人惯用右手，因此惯将刀在配在左腰间，若采用“左前”穿法，拔刀时受左襟领影响，动作会不顺畅。
很多人不知道这一说法，穿和服时右襟搭左襟，甚至很多明星的穿着都是右襟搭左襟，比如说伊能静、“可爱教主”杨丞琳、陈慧琳和服错误穿着时都出现这个错误，这是不正确的。
[编辑本段]和服的禁忌
着装禁忌
日本有用衣服"招魂"的习俗：人们或者在死者的枕边，或者登上房顶朝向高山大海，或者挥动死者衣服大声呼唤死者回来。为死者洗用过的衣服时，要面北而洗，夜半晾晒。洗完晾干后，必须整整齐齐叠好，收藏一段时间后再用棒敲打几下，生者才能穿用。因此，人们在日常浆洗衣服时，都绝不朝北晾晒，而且夜间也不挂在外面。
在城市，正月初一，大部分家庭都不洗衣服。古俗，每月的一日、十五日、二十八日，甚至彼岸等祭日也不得洗衣。这固然是节假日需要好生休息，也是畏惧这一天祭祀对象的魂灵飘游而过时附在晾晒的衣服上。新穿刚做好的衣服时，有的地区（如纪州）先将衣服披在柱子上；有的地方（冲绳）要口唱"我也千年，柱也千年"、"衣服单薄，身板结实"。即使不先给木柱穿，也要叠好后敲打两下再用。这都是出于担心衣服上藏有某种魂灵的缘故。收藏一段时期后用棒敲打，或者先给木柱穿，从主观愿望来讲，希望起到化解的作用，去灾避邪。
《无何集》载："毋反悬冠，为似死人服"，河南沁阳一带有"反穿罗裙，另嫁男人"的传说。由于死者去的是一个与阳世截然相反的阴间世界，所以死后要反穿衣，反戴帽。日本习俗，人死了下葬时，要左向掩衣襟，意味着死者的一切装束都与生者相反。所以，平时人们穿衣服时，最忌讳领子窝在里面，或者以后为前，以里为面。
同样，由于"万物有灵"思想，人们认为自己穿用的衣服必然寄存有自己的灵魂，把自己穿用的衣服赠给最亲近的朋友，意味着把自己的魂魄也赠给了对方，足见一片诚心。有的人赠衣时，还在兜内放一枚五圆的日币，这是取五圆的谐音，表示"御缘"（与您有缘）之意，目前还存在的赠"买衣服钱"、"买腰带钱"，都是这种习俗的表现。

㈡ 19世纪欧洲油画：从天堂神话到人间真情指的是什么（四）

筛麦的女子法国库尔贝

19世纪40年代的法国出现了现实主义画派。他们主张艺术应以实际生活为基础，以自然为范本，画家应该走出画室去表现普通人的生活。

筛麦的女子库尔贝

他们歌颂劳动，赞美自然，将劳动者作为艺术创作的对象；他们不屑于那些古书堆里的老题材，不用那些神奇的幻想，不愿被关在画室里。他们将朴素之美作为创作的最高目标，掀起了美术史上继新古典主义和浪漫主义之后的现实主义思潮。

库尔贝是法国现实主义艺术思潮中的代表性人物。1855年，在世界博览会期间，在官方的艺术沙龙之外，他举行了一次富有挑战意味的以现实主义为题的个人画展。在这个画展上，库尔贝公开发表了美术史上有名的《现实主义宣言》。宣言主张要独创，要成为活的艺术，要忠于客观对象的表现，主张艺术家必须表现当代生活。这个宣言奠定了库尔贝在现实主义艺术中的重要地位。

画家在作品中展示了劳动妇女的形象，高超的写实技巧使这一形象产生了令人向往的艺术魅力，给人以美的享受。画家重点描绘了跪着筛麦的女子形象，从她圆润的手臂、丰满健壮的背影，可以想象这是一位健康美丽的农村姑娘。她那优美的姿态，给人以健美的感觉。她几乎占据中心位置，成为画面焦点。筛麦妇是一种朴实的灵感，以背影去描绘她，更显得耐人寻味。

引人注目的是人物的表情不占任何地位。3个人物中只有一个能看到脸部表情，而且她并不像在集中劳动，而是在梦幻之中。正在筛麦子的那个女孩从解剖学角度来看并不像在用力，而更是像在摆舞蹈造型。那个处在背景阴影下的男孩的作用只是让整个画面结构达成平衡。虽然画的是个劳动场面，但整个画面是处在静态之中的。整幅画中找不到任何表达人物心情、生活的信息。画家眼里看到的不是劳动，而是姿态，艺术不是为了体现生活，而是来让平凡的日常场景通过精神的力量获得升华。这个精神的力量来源于艺术家的思维和心灵。

三等车厢法国杜米埃

杜米埃从来没有接受过正式的美术教育，他是真正的由生活教导出来的学生。杜米埃的父亲是马塞的一个玻璃工人，虽然爱好文艺却没有机会实践。少年时代是杜米埃充满自豪的时光，他有着为家人称道的诗人的才华和敏锐的表现力。但生活与爱好却是两回事，他几乎没有上学就在父亲的工厂和市场上打工维持家用。曾在法官家里当小杂役的经历使他真正地从故事以外认识了这个荒唐而令人悲愤的世界。

三等车厢杜米埃

这些经历锻炼了他观察生活的能力，加上惊人的记忆力，他通常是见到事物后立刻在心中打下特征和轮廓的腹稿，回去后迅速地画在纸上或用泥像表现出来。长期的刻苦练习使他铸就了一双敏捷的手和眼睛，能够在瞬息间记住并用寥寥几笔描绘人物的形象。

这幅画好像既表现了短暂的旅途生活，又象征着人生漫长的道路。不同的人有着不同的表情，他们在人生的道路上各自有着不同的遭遇。

当时火车刚刚运行，对人们来说乘火车还是十分新鲜稀奇的事。在这幅作品中，画家对人面对新生事物的状况作了极为生动的描述。艺术家从这些普通人身上观察到了他们微妙各异的内心世界，同时，也揭示了一种非常特殊的时代特征。这是一群受尽了人生坎坷的下层市民，他们来自不同的地域，但是他们都在追求着各自的谋生出路。在三等车厢的前排坐着的看来像是一个贫苦农民。一个扶着篮子的老妇似乎仍对飞速前行的列车有些不适，显得有些局促。而左边的少妇，怀抱睡觉的幼子，正沉浸在母爱之中。右侧紧靠老妇熟睡的少年，上车时过度的兴奋，显然使他感到十分疲惫，此刻他正在列车的摇晃之中酣睡。从这幅作品中，我们可以看到画家无论在人物的表现能力，还是画面的感觉上，都与同时代的画家有着很大的不同。

他的油画仍如讽刺画一样，造型不求形似，只重视色块与形体的神肖。他往往以棕色和粉红为基调，从文学名著和生活中选择表现题材，以批判的艺术眼光审视自己所创造的形象，他说过“要做一个自己时代的人”。杜米埃的艺术生涯始终与法国的现实主义相联系，他运用现实主义和浪漫主义相结合的艺术语言，塑造自己独特的艺术形象。为了真理和正义，他一生坎坷，遭到过监禁、罚款，作品曾被销毁，一度难以谋生。

伏尔加纤夫俄国列宾

画面以狭长的横幅展现了这群纤夫的生活。伏尔加河畔阳光酷烈，沙滩荒芜，近景只有埋在沙里的几只破筐作点缀，景色十分凄寂。一队穿着破烂的纤夫拉着货船，步子是那样地沉重，似乎可以听到压抑低沉的《伏尔加船夫曲》的回声。

纤夫共有11个人，约略分成3组。每一个形象都被列宾仔细推敲过，画过人物写生。他们的年龄、经历、性格、体力以及他们的精神气质各不相同。画家把这些性格作了高度的典型化，又都统一在主题之中。现据画家本人的记述，分别来介绍这里的每一个人物的情况。

最前一组共4人，领头的名叫冈宁，他的表情温顺，然而性格坚韧，具有一种内在的意志力，此人约有四五十岁。他那双深陷的眼睛使他的前额更加突出，显出了他的智慧。列宾在他的头上添画上一块包头的破布，似乎要把他塑造成古希腊哲学家的样子。他原是个神父，后来被教会革职，一度充任过教堂唱诗队的指挥。他身体结实，两手下垂。胸前那一条纤索绷得很紧，而身上的麻布衫却满是补钉。这是一个俄罗斯农民长者或智者的典型。他忍受着肉体与精神的痛苦，他是这些纤夫形象中的悲剧性主角。在他右边的一个是身材魁梧的憨直的农民汉子，他赤着脚，头发蓬乱，满脸浓密的胡子，似乎在低低地向冈宁絮叨着什么。这个形象起着衬托冈宁前倾的身子的作用。在他后面是一个细长的瘦子，年近40，身子大部分被挡住了。他头戴麦秆帽，叼着一只土烟斗，头显得尖小一些。他挺直着身子，这样可使纤索松弛，好像是想省点力气。这个瘦子的左侧，则是一个躬背弯腰的纤夫，他原来是个水手，叫伊卡尔。他的两手向下握拢，神色严厉，眼神凝注，直对着前方。显然，他的脾气一定很倔强，是个农村硬汉子。汗水已把他的上衣腐蚀得百孔千疮，结实的肩膀正从破洞处显露出来。

中间一组也是4个人，穿一身粉红色破衫裤的少年名叫拉里卡。看来这个少年是初加入这支行列，他那还未晒黑的皮肤，紧蹙的眉头告诉观者，这种劳动对他来说负荷过重了。他正用手在调节压在自己肩头那根勒痛了皮肤的纤索。

画家在这个新的受压迫者身上似乎要找到一种希望，那就是不甘心受剥削，要反抗。令人注目的是，在这个少年颈上还挂着一只十字架，这是父母给孩子的信物，祈求上帝能保佑他路上平安。列宾为了画这个少年纤夫，曾从他熟悉的孩童形象中挑选了一个做模特儿。少年拉纤这种现象，也如资本家利用童工榨取劳力一样残酷，这是沙皇俄国的农奴制度的罪恶，也是画家所要抨击的主要对象。

紧靠在拉里卡后面的，是一个受尽风霜之苦的秃顶老汉，他皮肤黝黑，脸色阴沉，一边斜倚在纤索上，一边在打开自己的烟袋，想偷闲抽口烟来缓解一下自己的苦闷。他和前面的少年，在色彩上构成了强烈对比。两代人，不同的命运，却系在一根绳索上。

少年右边是个羸弱有病的纤夫，他步履艰难，全身虚弱，正在用袖口擦汗。头发露在无檐帽的外边，颧骨耸起，泪囊水肿，他未来的路程意味着更大的厄运，我们似乎可以听到他那急促的喘息。在拉里卡与老汉之间，露出了另一个纤夫的脑袋顶，此人的脸庞发黑，鼻孔朝外，嘴唇很厚，看样子是个挞靼人。

最后一组3人，走在前面的是个退役军人，白色的衬衫外面加了一件坎肩，帽子压得很低。背后一个人皮肤黝黑，巡回画派评论家斯塔索夫说他是个流浪的希腊人。最后一个人只见到了他的低垂的头顶，此人似乎走得更加吃力，他正在往一个小坡上移动。全画以淡绿、淡紫、暗棕等色调来描绘上半部的空白，使这条伏尔加河流显得更为惨淡。这是为了加强人物的悲剧性，烘托干燥炎热的天气(列宾在冈宁和伊卡尔两个人物身上曾作过一些改动，尤以伊卡尔缠着白布的头改动得最多)。

1873年，评论家斯塔索夫在一份杂志上对这幅画及其作者是这样评价的：“列宾是同果戈理一样的现实主义者，而且也同他一样具有深刻的民族性。他以勇敢、以我们无可比拟的勇敢……一头扎进人民的生活，人民的利益，人民的伤心的现实的最深处……就画的布局和表现而论，列宾是出色的、强有力的艺术家和思想家。”的确，这幅油画无论从思想性还是从技巧上都可称得上是70年代批判现实主义艺术的高峰。此画创作时间约在1870—1873年间，现藏于苏联列宁格勒俄罗斯博物馆。

印象·日出法国莫奈

《印象·日出》表现的是画家对所看到的日出水面这一转瞬即逝景象的感受和印象。画中表现的是在天水一色的朦胧晨雾中，一轮红日冉冉升起，水中的船和岸上的景物用蓝绿色彩轻松地勾画出来，整个画面的一切物体都融成一片。莫奈是印象派的领袖人物。1874年由他发起组织了首届印象派画展，他的油画《印象·日出》在展览中引起反响，从而使“印象派”这一名称正式出现。

莫奈的作品都非常注重色彩领域的探索，忽视对物象形体的写实。他侧重于用光线和色彩来表现瞬间的印象，追求绘画上色彩关系的独立美。他是第一个真正强调外光写生的画家。他所有的作品，几乎都是户外写生完成的，而且态度非常认真。为了保持印象的真实性，常常是早晨画的画，如果没完成，就等到第二天的同一时间继续画，直到画完。他还常常对着一个景物，分别画出对象在不同时间、不同光线下的色彩变化。如油画《草垛》、《里昂大教堂》等就是画家进行这种色彩试验常被人们提及的作品。他的这些经过了深思熟虑、追求瞬间光色细微变化效果的作品，在以前是从未有过的。这种艺术追求在莫奈晚年创作的油画《睡莲》中表现得尤为突出。莫奈在印象派画家中是最长寿的，他到晚年时人们已经认识到了印象派绘画的价值，这也使得他的晚年生活过得幸福。

㈢ 欧洲古典式样衬衫的正式名称是什么

18世纪洛可可风格优雅灵魂

经历17世纪巴洛克风格的洗礼，18世纪的服饰风格从粗狂、强硬转为纤细、优美。这种革命性变化被称为“Rococofashion”。繁复的装饰，奢华的面料，精细的剪裁，是洛可可风格的明显特征，若要用更简洁的话来概括，即是“优雅”。

女人流行“Robe”，宽大的撑裙上有华美的刺绣，那时钻石还没有流行，时髦女人们的颈部戴一根蕾丝做成的装饰圈，以衬托胸部的丰满。而男人的衣服则越来越合身，白衬衫、背心、丝绸马裤、胸部装饰、围巾，这一套装扮是典型的男士装扮。

18世纪男士衣服色调优雅，强调胸部装饰，袖子的设计比较夸张。

刺绣是一大看点，金、银和其他五彩缤纷的丝线刺绣，使服装色彩看起来极其灿烂。

男鞋在今天，它会被认为是时髦小姐的鞋。但在18世纪的欧洲，它属于男人。织锦缎面料，小金属片装饰，刺绣，方头，奢华而时髦。

胸衣即使是穿在女人内里的胸衣，也有精美的刺绣。

19世纪 浪漫主义男人有了女人味

无论时尚多么嚣张，其实不过是时代的附属品。在经历了法国大革命后，人们突然没有了18世纪典雅、轻松的心态，空想主义色彩浓郁，而服饰将这种心态表现得淋漓尽致。你很难用一句话来总结19世纪的服装风格，它既有革命时期的简练和朴素，也有浪漫主义的诗意和婉丽。

无论如何，浪漫主义时期的服饰是法国大革命新古典主义后的回归，它在服装史上具有重要意义。那个时期，“女人味”的审美观念弥漫了整个欧洲大陆，女性似乎成了第一性，她们故作娇柔，服装款式充满幻想色彩，而男人也被女人的娇柔所吸引，他们收细腰身，甚至不惜使用紧身胸衣。

19世纪的时装业有两个值得关注的变化：工业的进步和更高级裁剪技术的出现，使服装的面料和款式更为多样化；由于彩色印刷术的出现，时装样本开始出版，它是现代时装杂志的“鼻祖”。它的出现使原本由宫廷贵妇引导流行的时代一去不返，时装样本和舞台剧中的女演员成为新的时尚代言人。

19世纪，男装变得更加女性化，背心、外套和长裤是最常见的组合。为了凸现身材，男士们开始使用紧身胸衣。

男士主要配饰有领结、桶形礼帽、文明杖。

女装流行面料有薄棉布，织纹较密的白麻布，薄纱，条纹毛织物和蝉翼纱，给人轻盈、飘逸的感觉。强调细腰和夸张的裙摆，马鬃编成的裙撑首次出现。为了显示细腰，肩部设计不断扩张，袖口也极度夸张，甚至在袖根部用金属丝做撑垫。

18世纪－20世纪服饰

19世纪末服饰，开始使用特殊面料，设计也比较新潮、大胆，从中可以窥见现代服饰的剪影。

▲手套1830年。手套是女士们不可缺少的服饰品。黑色蕾丝和金属做的珠子相配，充满香艳风情。

与此同时，女人发髻越来越高，她们用长长的饰针固定，上面装饰羽毛、缎带等。帽子与发型相呼应，宽檐高帽上装饰蕾丝和人造花。

▲为了强调所谓的教养，那时的女士们总是随身带着药丸，用手帕掩面，作娇羞状。但她们也热衷运动，早上骑马，下午打网球或高尔夫球，这便是当时的网球装和高尔夫球装。

▲19世纪30年代，女士风行像男士那样骑马兜风，骑马服饰开始出现。女士在宽敞的长裙里穿用细棉布做的紧身马裤和长统靴，戴高统礼帽和鹿皮手套。

20世纪 时装化多样化

战争改变了原有的社会价值体系，也将19世纪浪漫主义风潮打破。随着中产阶级的崛起，他们全新的生活理念，使服装设计师开始试着用一种艺术的眼光看待设计。20世纪初，设计师进行“剪裁革命”，Vionnet夫人著名的斜线剪裁，Gres夫人完美地运用了打褶和丝绸处理工艺，这些至今仍是时装大师们创造力的源泉，我们熟悉的三宅一生、范思哲等，都曾借鉴过这些工艺。
20世纪的女性追求独立，彻底抛弃了紧身胸衣，喜欢式样简洁，有综合功能的服饰。到了20世纪中后期，女人们强调个性，除了要求品味不凡的款式，还要求它是惟一的款式。在这个“信息爆炸的世纪”，功能主义、极简主义、古典主义，时尚随着岁月之河，一一轮回。

法国人值得骄傲，在这个世纪，巴黎凭借精湛的工艺和设计，成为世界时尚制造地，一年两次的高级女装展更是引无数爱美人士竞折腰。与此同时，时尚媒体发展迅猛，时尚杂志成为真正的潮流引导者。

1950年的蓝色丝缎晚装。极其轻柔的面料，被称为“女人的肌肤”。20世纪，人们越来越关注面料，有句名言：仅次于情人爱抚的，是好的布料。

由蕾丝、花边、丝绸面料组成的内衣问世时，曾引起轰动。有人称它为“内衣革命”。

20世纪末，女装更加男性化。

㈣ 拜占庭时期欧洲服装的艺术风格

拜占庭帝国以 6世纪查士丁尼（公元527年～565年在位）统治时期为鼎盛期。拜占庭时期服装和其三种异质文化想融合的特殊性想联系的，希腊罗马的古典风格，东方文化的神秘色彩，送交文化的禁欲精神在服装中得以体现。拜占庭初期的服装，基本上沿用罗马帝国末期的样式。随着基督教文化的展开和普及，服装外形变得呆板、僵硬，把表现的重点转移到衣料的质地、色彩和装饰纹样的变化上，使人感到否定人的存在这样一种抽象的、绝对的宗教性。主要服装有从罗马帝国未期与基督教一起出现和普及的“达尔玛提卡”；取代托加和帕拉的外衣“帕鲁达门托姆”、“帕留姆”、“罗鲁姆”，受东方文化影响的丘尼卡。

达尔玛提卡：把布料裁成十字形中间挖领口，在袖下和体侧缝合的宽松的贯头衣，从肩到下摆装饰着两条红紫色的条饰—克拉比，这是带宗教色彩的装饰。

帕留姆：6世纪以后，女用的帕拉逐渐变窄，称为“帕留姆”，与达尔玛提卡一起作为外出服使用。

面料：拜占庭发达的染织业，是以华美著称的拜占庭文化的重要组成部分。不仅有羊毛和亚麻布，棉布，还有从东方传来的丝织物，锦，金丝纺织的纳石等面料，因此也一度被称为“奢华的年代”。

此外，从头部装饰来看，男子一般留短发，女子则继承罗马时期的女子法师，偶热也有扎起来的。皇帝带王冠，平民男女不带帽子，多以头巾代替。女子有一种面纱，称为贝尔。

大约在公元10世纪，另一种艺术风格在西欧各地形成，并且延续到12世纪，这就是罗马式的艺术。罗马式时期主要服装有鲜斯、布里奥。

布里奥是一种大喇叭袖，筒形衣裙，领口呈到三角形，有豪华的缘边装饰，臀胯处有带状饰物的衣物。这种服装能凸显处身体曲线美，其在背面开口处扣结的样式是后来欧洲女性紧身胸衣的雏形。

鲜兹：是长筒形丘尼克式白色麻织物内衣，有窄长的紧身袖，袖口装饰着精美的刺绣和带子，领口多以数排丈绳或金银线滚边作缘饰，衣长及地。

㈤ 一种很高雅的帽子~好像是外国贵族都会戴的帽子是什么帽

帽子从实用派摇身一变成了华丽派，在欧洲国家，一般比较大型的都是会被帽子的风采所，而这些夸张的帽子仅仅是作为吸睛的效果吗？答案当然不是，其实戴帽子是一种文化，从一百年以前欧洲名媛都会选择戴夸张的帽子来展示自己的身份。

解析为何欧洲贵族都爱戴夸张帽子？

一百年前的欧洲贵族夸张帽饰

19世纪，在人类历史上是个不寻常的时代，在服装史上，更显得举足轻重。因为，它标志着人类文化的真正成熟。在这一时期之前，服装曾走过辉煌的历程；而在这一时期之中，、各民族所创造的服装文化都已达到完善程度，各民族服装文化之光了全球几乎每一个角落。与此同时，发起于欧洲的工业，也将服装引人一个新。特别是欧洲的服装，代表着服装史的一个灿烂时期。

硕大的帽子是那个时代的潮流

或许因为妇女没有像男人那样更多地直接接触到工业的缘故，进入19世纪以后很长一段时间，女服仍然保留了希腊式的古典风格。领口开得出奇的大，而腰间的带子又尽量系得高，没有什么更多的装饰，但长裙下摆处的褶皱花边是万万少不得的。

珍稀的动物羽毛常被当做点缀

19世纪初叶，妇女们的服装只是稍稍有一些变化。人们在总结当时女服流行状况时，这样认为，由于服装的简单化，首饰便成了当时的焦点。从缠有藤子的希腊式首饰仿制品，另外还有英国宫廷中戴的插有羽毛、帽子后部有较大的首饰和布满精致刺绣的镶边女帽；

欧洲贵族戴帽已成传统

另外还有一种黑天鹅绒法国帽，它是拿破仑征战活动的，这种帽子形似头盔，插满了羽毛；另一种帽子与法国帽属同类，帽上镶有散开的饰边，饰边由金线连接，形状如同鸡尾，帽子上也插有不同的羽毛和羽翎，鸟羽向外展开。

越夸张越高贵是帽饰的时尚标准

进入19世纪20年代以后，女帽的变化没有停歇，有的宽檐帽子上缠满了彩带，插着无数根羽毛，好像随时就要腾空而飞。有的帽子上还饰有风车、帐篷饰物，其形如同飞机上的螺旋桨。晚间不戴帽子时，女子对自己的头发也格外重视。她们把头发梳得光滑明亮，而且用几条线绳和穗带将头发扎起来，然后再以金属线、发钗和高背木梳加以支撑。花和羽毛缠结到一起，形成鲜明的时代风格。

㈥ 古典传统欧洲文学、电影中，贵族女性所戴的帽子的正式名称叫什么

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㈦ 欧洲服饰的名称及样式

巴伐利亚

皮裤,紧腰裤,男士短上衣,亚麻衬衫,粉红色的丝绸领带和妇女民族服装。妇女们留着辫子，脸上点着雀斑，衣着时髦，而男士们则头戴帅气的帽子，留着特意蓄起来的胡子。

维多利亚

指1837年至1901年间，英国维多利亚女王在位期间的服饰风格，该时代女性的服饰特点是，大量运用蕾丝、细纱、荷叶边、缎带、蝴蝶结、多层次的蛋糕裁剪、折皱、抽褶等元素，以及立领、高腰、公主袖、羊腿袖等宫廷款式。

随着复古风潮的盛行，这股华丽而又含蓄的柔美风格，正带给我们耳目一新的感觉。

哥特式服饰

受建筑影响较大，其服饰上的特点是多采用纵向的造型线和褶皱，使穿着者显得修长，并通过加高式帽来增加人体的高度，给人一种轻盈向上的感觉。哥特风格的服饰特别重视外表的浮雕效果和线条。

女装上装紧身合体，下半身的裙子宽大、上轻下重，形成一种圆锥状造型，具有极强的装饰性。中世纪，裙长是一种等级的标记，只有高贵的太太们才允许后摆拖地，并有权把它染成绿色。

服装上的分割线、装饰线多采用纵向的、垂直的线条。13— 15世纪欧洲服装中歌特风格最为流行。那尖尖的埃宁帽就像一个小尖塔，还有两个裤腿颜色各异的紧身裤，尖尖的翘头鞋，饰以不对称图案的上衣等。

时下流行的哥特式时装也常常是不对称的，但时下所谓的哥特式时装只不过是带有些许哥特式艺术的气息，它看起来带有更多的商业色彩，这使得“哥特式”听上去更像是一句促销口号。

典型的哥特打扮是黑色高领紧身皮衣和有着复杂纹路的银饰，最关键是黑眼圈和悲伤麻木的表情。对他们来说，这意味着某种精神境界。

服装样式

倒挂领〕指领角向下垂落的领型。

〔中山服领 zhongshan coat collar〕由底领和翻领组成，领角呈外八字形。

〔尖领 pointed collar, peaked collar〕领角呈尖角形的领型，也叫尖角领。

〔衬衫领 shirt collar〕或衬衣领，由上领和下领组成，是衬衫专有的领型。

〔圆领 round collar〕指领角呈圆形的领型，也叫圆角领。

〔青果领 shawl collar〕是翻驳领的一种变形，领面形似青果形状的领型。

〔荷叶边领）领片呈荷叶边状，波浪展开的领型。

〔燕子领 swallow collar, wing collar〕领面下止口的两条线形，似燕子飞翔时翅膀张开的形状。

〔两用领 convertible collar〕也叫开关领。指可敞开、可关闭的领型。

(7)欧洲古典女式系绳帽子扩展阅读:

发展历史

欧洲服装 - 10 世纪

男服变得更为贴身合体。英国男子的紧身衣上半贴身合体，下半象长至膝部的衣裙，宽松而舒展。紧身衣为套头式。

紧身衣外披一件斗篷，并用一个大饰针别在胸前。这时女式服装变得宽大，衣袖加肥加长，头发蒙在披巾里边，身体被斗篷蒙起来。

她们的内衣很长，直拖到地面，外衣到膝盖。圆口衣袖，衣服装饰华丽，很受拜占庭的影响。她们的头发用一块面纱蒙起，其端点重于背后直拖至地面。

至12 世纪宽松的衣服变得瘦窄，使身体曲线得以突出。并于身后系带，衣袖逐渐宽大，袖口可垂至膝部。

欧洲服装 - 12 世纪

出现了圆饼式头饰，它可以遮阳保护眼睛隔热，主要为十字军所戴。

上衣流行前开襟式，将前襟分成两片。女式衣服为系带紧身衣，上衣紧贴身体，下面是宽大的衣裙，两部分之间用线缝起，两袖宽松拖长，其剪裁方法是上下衣分裁后缝合，与以前使用一块大布不同。

欧洲服装 - 13 世纪

男女服装趋于一致，男服还有紧身衣及各式各样的外衣，圆饼头饰，帽式装饰衣袖，敞胸披肩。下面有长筒袜、靴鞋。

男子戴一顶中亚式小帽。这时护身外衣流行，适合旅行穿用，这种外衣是一件敞胸大披肩，旁边有缝，手臂可以伸出来活动。

另外这时期流行封闭式马甲式外衣，上身如马甲，下面可长至膝下，这种无袖长衫，肩部向两侧延伸加长，就成帽式装饰衣袖了。

13 世纪劳动者的长衫长短不等。男子上衣至膝，衣袖短小，脚下有无跟鞋，裤子于脚跟处有一圆洞，以便穿脱。夏天穿宽敞麻裤，上身裸露，

冬天穿短外衣和无袖套头衣。妇女穿长袍，中间有缝，可便于劳动，收获时裙子口袋可装农作物。当时禁止农民穿好料子及颜色华丽的衣服。

欧洲服装 - 14、15 世纪

欧洲服装开始有了变化。由于经济繁荣，农业、商业、手工业的发展，国际贸易的往来，东方文明的影响，欧洲服饰发生了许多变化，贵族男女追逐时尚。

贵族妇女争奇斗妍，男子不拘礼节；贵族与平民的服装有了更明显的不同；衣服式样变化，衣料品种增多。

《巨人传》载中世纪衣料有绸缎、丝毛混纺、呢绒、大马士革呢、条呢、金线缎、各种皮毛。衣服有大衣、外套、外罩、上装、短装、衬衫、短披，女人有连衫长裙、晚礼服等。饰物有念珠、指环、链条、宝石、钻石、翡翠、珍珠、玛瑙等。

服装力求摆脱古老习俗，追求时兴。东方服饰中的装饰和纽扣被欧洲人吸收，男人外套上排一列纽扣或宝石，甚至内衣纽扣也用宝石和纽扣装饰。

14 世纪男士的夹衣流行，夹衣两层，十分贴身，衣袖设计合理，可以自由活动手臂，便于全身活动。

夹衣上有十几个扣子，夹衣衬里有细带可将瘦腿裤上端与之相连接；紧身外衣穿在夹衣之外，高领外衣兴起于14 世纪末；衣领将两耳覆盖，颈后衣领盖过后脑。

下部裙衣拖至地面；这时期的斗篷用一组扣子固定在身上，外观为圆弧形，又长又宽。妇女服装主要是带袖紧外衣和无袖长衫。

由一块布作成，领口宽，衣领偏低，这就是14 世纪欧洲妇女流行的袒领衫，领口有圆形、角形、方形，领口开得很大，露出胸的上半部，上身有无袖、短袖的，臂膀裸露，腰带提得很高。

㈧ 求一张欧洲古典美女图片，戴着宽檐帽，帽子上有羽毛装饰，穿着皮草衣服，侧身回眸

这张？

格鲁阿姆夫人像格恩兹波罗油画1775-1777年263×152厘米

㈨ 古代欧洲、日本和中国的服饰有什么特点

提供中国部分的 汉服，即中国汉族的传统民族服饰，又称为汉装、华服， 主要是指约公元前21世纪在至公元17世纪中叶（明末清初） 近4000年中，以华夏（汉后又称汉民族）民族文化为基础， 通过自然演化而形成的具有独特华夏民族文化风貌性格， 区别于其它民族的传统服装的装饰体系；或者说：“ 汉民族传统服饰（汉服）”是从夏商周时期到明朝，华夏（汉） 民族所着的、具有浓郁华夏（汉）民族风格的一系列华夏（汉） 民族服饰的总体集合。 汉服的历史和发展 汉服是世界上历史最悠久的民族服饰之一。《史记》载， 华夏衣裳为黄帝所制。“黄帝之前，未有衣裳屋宇。及黄帝造屋宇， 制衣服，营殡葬，万民故免存亡之难。”（《史记》卷一 五帝本纪 第一）约五千年前，中国在新石器时代的仰韶文化时期， 就产生了原始的农业和纺织业，开始用织成的麻布来做衣服， 后又发明了饲蚕和丝纺，人们的衣冠服饰日臻完备。 黄帝时代冕冠出现，服饰制度逐渐形成。夏商以后， 冠服制度初步建立，西周时，逐渐完备。周代后期，由于政治、 经济、思想文化都发生了急剧的变化， 特别是百家学说对服饰的完善有着一定的影响， 诸侯国间的衣冠服饰及风俗习惯上都开始有着明显的不同。 并创造深衣。冠服制被纳入了“礼治”的范围， 成了礼仪的表现形式，从此中国的衣冠服制更加详备。 汉族的这一服饰制度自周代至明代， 三千年来汉人服装的基本特征是没有大的该变。 一直三百多年的清初，这一服饰制度才崩溃。 1644年明朝灭亡后，清在与南明的战争中， 清朝统治者为了达到削弱汉人的民族认同感， 以便于维护满洲贵族统治的目的，而大力推行满族发型和满族服装， 并以残酷的手段禁止人民穿戴汉族服饰，史称“剃发易服”（“ 剃发”也作“剃发”）。这使得汉服逐渐消亡。 当时孔子的后裔衍圣公孔闻謤上书多尔衮，请求保存孔府家服饰， 说：“先圣为典礼之宗……定礼之大要莫于冠服……惟臣家衣冠， 三千年来未曾变易……”，遭到多尔衮拒绝。 今天的旗袍、长衫、 马褂都是以满族为主体的民族服饰的改良和发展， 而非汉族传统的民族服饰。 辛亥革命推翻满洲贵族的统治之后，人们的思想趋于西化， 改穿西式服装，没有恢复汉服。但在21世纪初， 随着中国国力的发展，人们开始审视自己传统文化中的优秀部分。 一些人又重新倡导恢复传统汉服并身着汉服进行推广。 对于这些人的行为，社会上有各种不同的看法， 详见下面的争议部分。 汉服的特点和样式 汉服的主要特点是交领、右衽，不用扣子，而用绳带系结， 给人洒脱飘逸的印象。这些特点都明显有别于其他民族的服饰。 汉服有礼服和常服之分。从形制上看，主要有“上衣下裳”制（ 裳在古代指下裙）、“深衣”制（把上衣下裳缝连起来）、“襦裙” 制（襦，即短衣）等类型。其中， 上衣下裳的冕服为帝王百官最隆重正式的礼服；袍服（深衣） 为百官及士人常服，襦裙则为妇女喜爱的穿着。 普通劳动人民一般上身着短衣，下穿长裤。 配饰 头饰是汉族服饰的重要部分之一。 古代汉族男女成年之后都把头发绾成发髻盘在头上，以笄固定。 男子常常戴冠、巾、帽等，形制多样。 女子发髻也可梳成各种式样，并在发髻上佩带珠花、 步摇等各种饰物。鬓发两侧饰博鬓，也有戴帷帽、盖头的。 汉服对中国周边其他民族服饰的影响 北魏孝文帝禁止穿鲜卑服装， 一律改着汉服北魏孝文帝禁止穿鲜卑服装，一律改着汉服。 495年1月13日（太和十八年十二月初二日）。 北魏孝文帝大力推行了一系列汉化政策，主要内容有： 禁止穿鲜卑服装，一律改着汉服。 禁止说鲜卑话，以汉语为唯一通行语言。 凡迁到洛阳的鲜卑人，一律以洛阳为籍贯，死后葬在洛阳， 不准归葬平城。 改鲜卑姓为汉姓。首先从皇室做起，把拓跋氏改为元氏，“ 其余所改，不可胜纪（记）”。 还规定鲜卑族的八个大姓与汉人头等贵族崔、卢、李、 郑四姓门第相当，鲜卑八个大姓以外的贵族也规定了品级。 使鲜卑贵族也和汉族一样实行门阀制度。 禁止鲜卑族同姓通婚，鼓励鲜卑族按门第与汉人结婚。 孝文帝还率先做起，纳汉族大姓的女子做后妃 并为他的五个皇弟娶汉族大姓的女子作正妻， 同时把公主们嫁给汉族大姓。 尽管遭到一部分鲜卑贵族的阻挠和反对。 孝文帝的改革最终得以成功，极大的促进了民族融合， 此后仅经过数十年时间， 中原的鲜卑等各少数民族就基本上和汉族人民融为一体了。 日本和服 在日本的奈良时代，也即中国的盛唐时期， 日本派出大量遣唐使到中国学习中国的文化艺术、律令制度， 这其中也包括衣冠制度。当时他们还模仿唐制颁布了“衣服令”。 至今日本仍把和服称为“吴服”( 和服这个词是西方人对日本吴服的称谓,日本人逐渐接受了这个词, 但是在日本卖和服的商店,一般称为吴服,少有和服的称谓)， 意为从中国的吴地（今江浙一带）传来的衣服。 初期和服为唐服翻版，之后的盛装十二单的外套华服也被称为“ 唐衣”（李氏朝鲜礼服外套也称为唐衣， 虽然两者已经有了更多的民族特色）。和服虽由汉服发展而来， 但经过漫长的历史时期，已经发展岀自己的民族特色。 如男服的裤子，江户时期之后女服腰带逐渐增宽到比较大的尺度， 腰带鼓节移到后背并发展出种种样式， 也是区别和服与汉服的主要标志。 和服衣料上的纹饰等往往也具有鲜明的日本民族特色。 朝鲜服装韩服 唐代时，新罗与唐朝交往甚密，服饰特点几乎与唐朝无异， 李氏朝鲜中期之后韩服特别是女服朝高腰襦裙发展， 同汉服区别逐渐增大，但官服，朝服， 宫廷重要礼服仍一直保留较多汉服制度，并随汉服变化而变化， 如唐朝时官员的乌纱幞头的后系带为下垂带样式， 新罗官员幞头同为此样式，而明代之后改为展角样式， 李朝也改为短展角；如李朝王后大礼服一直都为中国皇后翟衣样式。 而现代韩服和汉服的主要不同之处：汉服一般是交领右衽， 也有对襟的（V字领），而朝鲜服装的交领发展为小v领； 女服裙子束的特别高，而且下摆十分宽大、蓬松。 汉服和网上文化 近年有许多年轻网友在网上结识，然后约定著汉服在公共场合见面。 近年来，以一部青年为主体，以互联网为载体，出现了“恢复汉服” 运动。并一起了很大反响和争议。正以主要集中在以下一些问题： 什么是汉服？ 有些人认为，在长期的民族融合过程中， 中华各个民族的文化和服饰相互影响， 在各朝各代的服装都有所不同，没有纯粹的汉民族服装的说法。 比如，清朝的汉族服饰已经和满族服饰融合在一起了。因而认为， 汉服的概念是广义的，很难加以明确的界定。 一部分人则反对上述观点。 汉民族服装尽管受到其他民族服饰的影响， 但其基本民族特征则并未改变， 只有各朝流行时尚花色品种习惯穿法的不同。 应不应该恢复汉服？ 有些人持反对意见。其主要观点是：汉服的消失虽然是历史原因， 是一个非正常消亡的过程。但是，历史是不能重来的。 对于现代汉族来说，传统汉服在日常生活中已经没有什么作用了， 当作历史文化加以保存就足够了，没有必要在现代恢复传统汉装。 持肯定观点的则认为： 各民族的民族传统服装都是从古代发展过来的， 这正是民族性与传统性的体现。汉服是汉族的传统民族服装， 是民族传统、民族文化的代表。汉族服装又是汉族的文化的载体， 在现代社会中， 人们越来越认识到传统文化对社会的和谐发展所起到的作用。 推行汉服，有利于汉族传统文化的传承和发展， 有利于提高民族凝聚力和自豪感，在现代恢复汉服十分必要。 应不应该全面恢复汉服？ 部分人持谨慎态度：可在有民族特色的节日、盛大庆典、婚礼、 寿辰、丧礼以及休闲时穿着汉服的礼服和常服。 认为平时穿着汉服会不方便，应该仍着现在的服装。也有人认为， 当代交际礼仪有其通行规则，在很多场合都有着装标准， 不能因此而破坏。 即便是传统保存较好的韩国和日本也并非完全着民族服装生活。 部分人则持肯定意见：汉服既有宽袍大袖的礼服， 也有紧身窄袖便于运动的便服，不会导致日常生活的不便。 是否可以把马褂、旗袍作为现代汉族的民族服装？ 部分人认为，马褂、旗袍在国外有较大影响。不少外国人把马褂、 旗袍当作中国的传统服饰，已经默认为中国的形象。因而， 把它们作为现代汉族人的传统服饰，也未尝不可。 部分人则完全反对。认为马褂、旗袍是满装的改良及其延续， 跟汉族传统民族服装差别较大，无法代表汉族传统文化。 汉服运动是否会是否会引发大汉族主义？ 并影响汉族与中国其他民族的共处？ 很多人对此感到担忧。由于汉族人占中国国内人口的大多数， 并且汉服运动可能会造成汉族历史受迫害意识的过度膨胀； 过分的强调那段历史对导致狭隘的民族主义情绪抬头， 激化民族矛盾，继而引发民族问题、影响民族共处。 很多人却对此表示乐观。 他们认为汉服运动是汉族内部进行的文化运动， 并非针对其他少数民族。而且是非官方的文化运动， 跟三百多年前清朝推行的“剃发易服”完全不同。

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